春之祭属于下面哪种风格的作品 春之祭有哪两幕

原始主义音乐的特点是什么？代表作是什么？

原始主义是20世纪兴起于的一种音乐派别。原始主义主张音乐创作要质朴、平凡，反对音乐作品的虚无、缥缈。这便具有了明显的“反印象主义”性质。原始主义音乐在题材上多选用古代神话或民间传说，在音乐风格上追求原始、古老的曲调和节奏，在手法上却多采用现代作曲技法。而斯特拉文斯基的《春之祭》，在某种意义上可以说是原始主义音乐的宣言和范本。

春之祭属于下面哪种风格的作品 春之祭有哪两幕

春之祭属于下面哪种风格的作品 春之祭有哪两幕

《春之祭》的音乐是真正抽象的音乐，里面有大量刺耳的不谐和音，粗犷的不对我先说说第四题吧。称的节奏，有许多乐器都在从未用过的极端音区里咆哮。钢琴的使用更是前所未有，居然被当作打击乐器使用。到后来，音乐只剩下了钢琴抒情小品《致春天》选自由挪威作曲家格里格1884年所作的钢琴曲集《抒情小品》第三集(op43)的一曲，描绘了大地复苏、蓬勃生机的美丽春天。各种不同的节奏。在配器上，他用了许多前所未有的乐队效果与结合，产生了一种令人生畏的威力。

哪个版本的舞蹈《春之祭》被多数人评价为所有改编中最为的?

巴洛克音乐(The Baroque Era),1600-1750. 贵族掌权时代, 教会和宗教在上的地位依然很高, 所以音乐风格以华丽的宫廷音乐为主. 音乐细腻, 节奏强烈, 和声整齐, 代表人物为巴赫. 巴赫的音乐有很大部分为教会音乐, 他一生中创作了大量的chorale(众赞歌), 歌词通常选自圣经. 巴赫为钢琴创作的十二平均率也是其代表作之一. 巴赫的音乐听起来逻辑性很强, 声部层次分明, 复调的和声性也很明显.( 后人常常把巴赫的音乐和数学联系在一起 -_-)

皮娜鲍希的《春之祭》。皮娜鲍希之所以能够改编出这么成功的作品，主要是因为动作的编排和斯特拉文斯基的音乐密切的结合在了一起，对音乐中重复的旋律和静止的音符认识的非常深刻并创作了与之相适应的芭蕾舞动作，本文以皮娜·鲍希的芭蕾舞为重点，对其作品以及《春之祭》进行了深入的分析3、爱德华·格里格 钢琴小品《致春天》。

关于春天的音乐作品有哪些?(越多越好)

《贾尼·斯基基》(独幕歌剧,:<啊! 我亲爱的爸爸>)

1、安东尼奥·维瓦尔第 小提琴协奏曲《四季·春》

《四季》（意大利语：Le quattro stagioni）是意大利音乐家安东尼奥·维瓦尔第在1年创作的小提琴协奏曲。这也是他最着名的作品之一。乐章《春》以轻快愉悦的旋律，使人联想到春天的葱郁、清新。

这四首协奏曲各附有一首十四行诗。作者不详(所以有人认为是作曲家原创)。以下是《春》之乐章所附十四行诗的中文译本：

快板

春临大地，

众鸟欢唱，

和风吹拂，

溪流低语。

雷鸣和闪电宣示暴风雨的前奏；

风雨过境，鸟花语再度

奏起和谐乐章。

广板

枝叶沙沙作响，喃喃低语；

牧羊人安详地打盹，脚旁睡着夏日懒狗。

快板

当春临大地，

仙女和牧羊人随着风笛愉悦的旋律

在他们的草原上婆娑起舞。

2、费利克斯·门德尔松 钢琴独奏曲 《春之歌》

无言歌（德语：Lieder ohne Worte）是浪漫乐派作曲家费利克斯·门德尔松所作的八册48首钢琴独奏曲。这八册分别在他生命中的不同时间点，为了让业余钢琴家能够演奏所作。当时钢琴越来越普遍，慢慢变成许多家庭的焦点。

这些钢琴曲目属于浪漫乐派的一部分，其特点是短且狂热。

第五册 Opus 62 作于公元1844这时期的音乐有以下的特色：年。 第六首乐曲《春之歌》（A major 'Spring Song')是无言歌中最着名的一首。

爱德华·格里格出生于卑尔根，祖先是苏格兰人，具有主义、爱国主义思想倾向，作品大多以风俗生活、北欧民间传说、文学着作或自然景物为题材，具有鲜明的民族风格，是挪威民族乐派的人物。

4、小约翰·施特劳斯 管弦乐《春之声圆舞曲》

约翰·巴普蒂斯特·施特劳斯（德语：Johann Baptist Strauss，1825年10月25日－1899年6月3日），因与其父同名，故通常称为约翰·施特劳斯二世或小约翰·施特劳斯，奥地利作曲家，以圆舞曲作品最为着名，如《蓝色多瑙河》。

春之声圆舞曲（作品第410号）是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯所创作的一首管弦乐圆舞曲，也可以用女高音独唱。创作于1882年，作品号为第410号。其德语原名为“Frühlingsstimmen”，意思是“春天的声音”。

5、伊戈尔·斯特拉文斯基 管弦乐《春之祭》

《春之祭》（法语：Le Sacre du Printemps）是作曲家伊戈尔·斯特拉文斯基的代表作与成名作。本来是一部芭蕾舞剧，但后来脚本遗失，只剩下管弦乐总谱。

全曲粗犷而又有浓郁的风格，成为二十世纪古典音乐创作的。《春之祭》让往后的作曲者思考旋律的结构，也认为是让斯特拉文斯基有长久声誉的关键，革命性地拓展了音乐设计的边界。

斯特拉文斯基的音乐风格有没有受到东方音乐的影响

4.巴洛克音乐

有。斯特拉文斯基的音乐风格在一些作品中受到了东方音乐的影响，特别是在《火鸟》（TheFirebird，10年）和《春之祭》（LeSacreduprintemps，13年）中，可以观察到其受到了和东方传统音乐的启发和影响。

文艺复兴时期约为公元1450-1600年，在中世纪“新艺术”的基础上，更加追求人性的解放与对人的内心情感的抒发与表达。这时的音乐家在人文主义思潮的推动下，对复调音乐进行了发展和变革，声乐与器乐逐渐分离而发展。这一时期五线谱已得到完善，印刷术也运用到曲谱上，这都使音乐的传播更加便利和广泛。这一时期有以下几个较有影响力的乐派：

春之祭的评论

霍尔斯特 （Gust Dheodore Holst,1874-1934，英国)

根据斯特拉文斯基的作品改编而成的三幕歌舞剧《春之祭》明显继承了德国表现性舞蹈的传统，并且已经包含了皮娜·鲍什基本的表现手法，这些手法在她稍后的作品中都得到了继续发展和不同程度的演绎。歌舞剧的一部分《春之祭》在首演后不久就被改成了一部的同名作品，并成为乌珀塔尔舞剧团演出次数最多和最成功的作品。

文艺复兴时期的音乐家有：蒙特威尔第、帕勒斯提那、拜尔德、加布列里...。

古典-现代音乐风格???

浪漫主义音乐是古典主义音乐（维也纳古典乐派）的延续和发展，是西方音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。

巴洛克时期之前的音乐 （A.D.1600之前）- 文艺复兴时期的音乐有人称其为复音音乐，也就是有多个声部、多条旋律线、且彼此几乎不分主从，似乎整个世界就可以被这美丽的细线轻轻地包起来，一切都是如此的完美，找不到一点瑕疵。

芳草鲜美的草原上，

巴洛克时期的音乐（Baroque Period ,A.D.1600-1750） - 「巴洛克」一词源自西班牙文，意思是指丑怪、变形有缺陷的珍珠，被人用来形容17、18世纪建筑物中重视装饰性的风貌，本来含有一种否定的意涵，但后来却成为一个时代风格的代名词，在音乐领域上，即是指17、18世纪的音乐风格。

巴洛克时期的音乐，我们可以听到高声部飞扬的旋律，底下低声部为其伴奏，使旋律更加突显，同时巴洛克时期的作曲家，强调感官的满足，音乐必须是对比的，炫耀的、华丽的、的、幻想的，而且追求无限的表现。其所作的音乐可以让演出者有更多的即兴表演空间，这个时期也发展了协奏曲的形式。

关於巴洛克时期你可以试著听听下列的曲目：

韦瓦第：四季

韩德尔：弥赛亚、快乐的铁匠

巴哈：小步舞曲、群羊善牧、触技曲、是众人仰望的喜悦

巴洛克时期重要的音乐家有：巴赫、韩德尔、韦瓦第、史卡拉第、普赛尔...。

古典时期的音乐 (Classical Period , A.D. 1750-1820)- 由巴洛克晚期至古典时期，音乐经历了不少的改变：以往旧有的曲式渐渐地被新的段落式结构所取代；巴洛克时期最常用的对位法慢慢地被放弃；管弦乐团的乐器、编制、表达技巧、曲目等均有很大的发展。

1.艺术家多追求客观的理智精神、感情表达含蓄、形式清晰、结构精致、著重对称。

2.乐句简短、分句清晰、旋律优美典雅、结构和乐句都对完美对称。

3.奏鸣曲式开始发展，并对后期音乐创作模式产生了重大影响。

4.大、小调系统开始成形，因乐器得到改良，音量有了渐强和渐弱的变化。

5.音乐多以娱乐听众为主，乐曲多较轻松愉快，种类也以舞曲、组曲、歌剧、奏鸣曲、协奏曲、交响曲为主。

关於古典时期你可以试著听听下列的曲目：

海顿：惊愕交响曲、弦乐四重奏

贝多芬：命运交响曲、月光奏鸣曲、合唱交响曲

莫札特：第40号交响曲、第21号钢琴协奏曲、k525小夜曲

古典时期的音乐家：海顿、莫札特、贝多芬...。

浪漫时期的音乐(Romantici Ages,A.D. 1820-1900)- 浪漫时期古典音乐，想像与幻想所占的地位，比古典时期重视的平衡、形式、品味更为重要，同时也带来了更多、更为宽松的音乐形式，包括交响诗、各类形式的钢琴乐作品、艺术歌曲和歌剧等。在这个时期，受人注目的不只是作曲家，演奏家的地位提升，钢琴家如萧邦、李斯特，小提琴像是帕格尼尼等，在欧洲各地都受到欢迎。浪漫时期的音乐风格大致如下：

1.弦律方面：乐句已非固定的四或八小节模式，而且乐句的长度都有相当大弹性。

2.节奏方面：节奏多样化且复杂。为能制造出迭起的效果，运用不规则的节奏；乐曲的速度并不保持一定，作曲家在新的乐段出现时，可重新标示速度。

3.和声方面：和声成为音乐呈现最为重要的一部份，大、小调调性的感觉虽然存在，但是因为经常的转调而被淡化。

4.结构方面：虽然曲式仍被采用，但是在浪漫主义思潮的鼓动之下，曲式多已脱离了原有的结构，而也有作曲家开始为作品加注标题，更有不少新的乐曲名称出现。例如叙事曲、诙谐曲、交响诗、幻想曲、即兴曲、艺术歌曲等。

关於浪漫时期你可以试著听听下列的曲目：

韦伯：魔弹射手序曲

舒伯特：魔王、野玫瑰

孟德尔颂：乘著歌声的翅膀

舒曼：儿时情景

萧邦：小狗圆舞曲、华丽的大圆舞曲

李斯特：爱之梦

白辽士：幻想交响曲

布拉姆斯：匈牙利舞曲第5号

浪漫时期的音乐家：韦伯、孟德尔颂、舒伯特、萧邦、李斯特、白辽士、罗西尼、舒曼、布拉姆斯、威尔第、华格纳...。

国民乐派- 随著民族主义的兴起，19世纪欧洲中较弱小的民族，对当时的强势大国，在文化上有所醒觉，因此有了国义。「国民乐派」就是在主流地区（德奥、法、义大利）之外所发展的音乐风格，但其实仍是浪漫时期音乐鼎盛时的一部份，国民乐派共同的特色是富民族性、地方性之色彩，旋律接近民谣，节奏奔放，戏剧性、写实性强，而少有德式的严谨「纯粹音乐」，亦不同於意大利式的花腔曲调。

关於国民乐派你可以试著听听下列的曲目：

史麦塔纳：莫尔道河

德佛札克：新世界交响曲

穆梭斯基：展览会之画

西贝流士：芬兰颂

葛利格：皮尔金组曲

阿尔班尼士：西班牙组曲

国民乐派重要的音乐家：俄国：葛令卡、柴可夫斯基、穆索斯基、包罗定。东欧：史麦塔那、杨纳杰克、德佛札克。北欧：西贝流士、葛利格。英国：佛汉威廉斯、艾尔加。南欧：法雅、阿尔班尼士...。

当代古典音乐-进入二十世纪后的音乐被归类为现代或近代乐派，这个时期的音乐风格多样， 可以分为：

浪漫主义者

仍廷袭以大型乐团的组合，丰富的音效作为写曲的基本模式。而为了强化表现力，作曲家们尝试把音乐与文学，戏剧等艺术结合。因此经常会出现运用标题的情形，以使音乐与文学结合。音乐具有著细致、优雅、朦胧之美，多以附加标题的方式，让音乐反应出印象派绘画般的质感。这一派的乐曲，特别制造出一种新奇的音效感，这种空灵的质感来自多非传统式的弦连接手法，如平行地进行。而印象乐乐派的作品，更是十分讲究音色的转化。

表现主义者

新古曲乐派

关於现代时期的古典音乐你可以试著听听下面的曲目：

德布西：牧神的午后、儿童天地钢琴组曲

拉威尔：波丽露

史特拉汶斯基：春之祭

当代古典音乐的音乐家：史特拉汶斯基、萧士塔高维奇、普罗高菲夫、贝尔格、巴尔托克、荀白克、浦朗克、柯普兰、萨替、梅湘...。

春之祭的作者

维尼亚夫斯基（Henryk Wieniawski，1835－1880，波兰)

斯特拉文斯基（Igor Feodorovich Strinsky 伊戈尔·费奥多罗维奇·斯特拉文斯基，1882－1971）是美籍作曲家。原学法律，后跟随林姆斯基·高沙可夫业余学习音乐，终于成为现代乐派中名副其实的人物。 1939年定居美国，并先后入法国籍和美国籍。

古典主义音乐承继著巴洛克音乐的发展，是欧洲音乐史上的一种音乐风格或者一个时代。这个时代出现了多乐章的交响曲、独奏协奏曲、弦乐四重奏、多乐章奏鸣曲等等体裁。而奏鸣曲式和轮旋曲式成为古典时期和浪漫时期最常见的曲式，影响之深远直至二十世纪。乐团编制比巴洛克时期增大，乐团由指挥带领逐渐变成一种常规。现代钢琴在古典时期出现，逐渐取代了大键琴的地位。

西方艺术史3

作品:天空很快被黑幕遮蔽，

1、拜占庭艺术：欧洲中世纪以东罗马帝国首都拜占庭为中心发展起来的艺术。将西方文化与东方波斯艺术融为一体，在欧洲居统治地位达1000年之久。其建筑运用拱券、穹顶，以彩色琉璃砖做装饰，内部有金色的镶嵌画。其绘画主要是非写实性的抽象艺术式样，如抑制对空间各深度的表现、热衷于线条与色彩的运用等。

有关于《声希》 沈伟 的介绍 和作品的意义 越详细越好。

新古典主义应用巴洛克的对位、数字低音、赋格曲等手法写曲。不然就是以古典乐派的奏呜曲、交响曲、协奏曲等曲式名称在作品上。这些乐曲虽然有早期音乐的名称或者架构，但是在和声、节奏音响上，则纯粹是廿世纪的语法。

沈伟将带着他的舞蹈团队在粉丝节上演一段大约八分钟的舞蹈，节目名叫《声希》，取意于《道德经》“大白若辱，大方无隅，大器晚成，大音希声，大象无形”。这部作品曾先后获得多项重要，“这次我们为了以电视节目的方式呈现，特意把35分钟的舞台表演改编成8分30秒”。昨日在现场，记者听到沈伟说得最多的一句话是“one more time”。他说自己是个精益求精的人，欣赏做事严格、有感的人第五号交响曲(Symphony No.5)彼得与狼 (Peter and the wolf)，只要“扫地扫得干净，我就欣赏”。

1968年，沈伟出生于湖南省岳阳市湘阴县。1977年，9岁的沈伟考进了湖南省艺术学校湘剧科，开始了为期6年的戏曲学习。正是这里的严格训练，为沈伟日后成为舞者打下了坚实的基础。

，一次偶然机会，沈伟看到加拿大现代舞团的表演，新的舞蹈语汇、对身体语言、肌体关系的新的诠释使他深受震动，他毅然考入广东现代舞团。1995年，沈伟移居美国，由此开始了他的舞蹈生涯。

2000年，沈伟创建了他的舞蹈团——沈伟舞蹈艺术团此后，他在世界上频频获奖。。作为一个视觉艺术家，沈伟的舞蹈是开放的，各种生命和文化元素融入其中，他将不同的艺术形式转换为一种在美学关注，并制造着完全属于他个人的舞蹈语言。他的作品《声希》( Folding)中在微微波动的蓝色背景中，舞者披着的是戏剧性的红色做着深情的演绎，舞蹈结束于僧侣们的低声吟咏；《春之祭》(The Rite of Spring), 用最简单的设计和最单纯的方式去和一个“近代古典”的音乐作品互动；《连接转换》（Connect Transfer）把现代舞的界面推到末端和极限。

2005年，沈伟独具匠心地将京剧原剧和现代舞蹈结合在一起，创作了舞蹈《二进宫》（Second Visit to the Empress），此作品在艺术中心2007年夏季艺术节上演，轰动一时。《二进宫》是京剧传统剧目，有着京剧演唱基础的沈伟很喜欢这部戏，称之为京剧中中的经典，“音乐优美，有青衣，花脸，以及老生不同的唱腔”都令他无限迷恋。11名现代舞蹈的演员加入到京剧中，仿佛一个如影随形的世界。惊心动魄的舞蹈诠释着音乐，而荡气回肠的音乐演绎为视觉上的舞蹈，京剧则以数百年前的模式一板一眼地在前台表演，时间在流逝，故事在进行。“沈伟创作了一个老和新交织的优美的戏剧”，荷兰阿姆斯特丹以此作为一篇评论文章的标题。《》评论道：“《二进宫》给一个古老的剧目注入了新的活力与新的美。”

今天，“沈伟舞蹈艺术”已成为世界舞坛的宠儿。8年来沈伟在不停地挑战着舞蹈本体，也在不停地挑战着自己。这8年中“沈伟舞蹈艺术”带着他的“使人眼花目眩的原创”出现于世界各地舞台及各大艺术节，除了纽约中心，美国舞蹈节，和坐落在美国首都的甘乃迪表演艺术中心外，还包括：澳洲悉尼舞蹈节，以色列艺术节，荷兰舞蹈节，瑞士足迹艺术节，法国蒙彼利埃艺术节，德国的拉奥孔艺术节，卢森堡艺术节，墨尔本的艺术节等等。

他每一次的新作品问世都引起世界各地舞蹈界的关注，观众追随着他的足迹，各国的艺术节反复地将他的名字列为座上宾，“我的舞步和身躯动作的灵感来自于东方的舞蹈传统，来源于的戏剧、杂技和武术。”沈伟说，评论家们将沈伟用元素开创西方艺术新视野的现象称为舞蹈奇迹。

2007开始，沈伟参与了2008年奥林匹克运动会开幕式的创作，这是他近年最欣慰的一件事。去国多年，沈伟深情地说：“我希望能为祖国做一点我能做的”。

沈伟：

1968年出生于湖南岳阳，9岁学京剧，后进入湖南湘剧团。他曾对绘画倾注了不少感情，但最终还是选择了现代舞。20世纪90年代沈伟进入家现代舞团——广东现代舞蹈团，1995年移居美国纽约，2000年成立了自己的现代舞团“沈伟舞蹈艺术团”。他曾三次受邀参加美国舞蹈节演出，并到欧洲不少演出，引起热烈反响。