乐理基础知识入门 乐理基础知识入门教程钢琴

钢琴乐理基础知识

起来，不愿做奴隶的人们《 》

学习乐理，钢琴是非常重要的，那么下面整理出一些钢琴基本乐理知识，下面和我一起去了解一下吧，希望对你有帮助!

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乐理基础知识入门 乐理基础知识入门教程钢琴

钢琴乐理基础知识一：五线谱

五线谱是用来记载音符的五条平行横线。五线谱的五条线和由五条线所形成的间，都自下而上计算的。 使音乐作品是写在数行五线谱上，那么，这数行五线谱还要用连谱号连结起来。

在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少?低多少?却无法确定。在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。

通常用的谱号有三种：

G谱号：表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，又叫高音谱号;另外有记在线上的，叫古法国式高音谱号。

F谱号：表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，也叫低音谱号;另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。

C谱号：表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。 目前被采用的C谱号有C三线谱号(又名中音谱号)为中音提琴所用，有时也长号所用。C四线谱号(又名次中音谱号)为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。 使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。 各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用。

钢琴乐理基础知识二：音符、休止符

音符就是在五线谱上记录声音持续时间长短(时值)的符号。

休止符就是记录声音间断时间长短的符号。休止符同样记录的是声音，只不过它记录的声音不发声而已。可以说休止符是“不发声的音符”，它同样对音乐的表现具有重要的意义。

音符由“符头”(空心或实心的椭圆形标记)、“符干”(垂直向上或向下的短线)和“符尾”(连在符干末端的细细的旗状标记。)三部分组成。根据时值的不同分为：

二全音符(很少使用)：空心符头，并且左右加垂直的短线。没有符干、符尾;

全音符：空心符头，没有符干、符尾;

二分音符：空心唱名体系：1 2 3 4 5 6 7符头加符干;

四分音符：实心符头加符干;

八分音符：实心符头加符干和一条符尾;

十六分音符：实心符头加符干和两条符尾;

三十二分音符：实心符头加符干和三条符尾;

我们用五线谱记录音乐的时候，并不是把所有的音符、标记堆积在谱面上就可以了，而是要遵循一些标记规则的。正确地掌握这些规则，可以使谱面清晰明了，从而能够准确地反映乐思，并且有助于相互的交流。

钢琴乐理基础知识三：变音记号

用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号，变音记号有五种：

降记号(b)表示将基本音级降低半音。

重升记号(×)表示将基本音级升高两个半音(一个全音)。

重降记号(bb)表示将基本音级降低两个半音(一个全音)。

还节奏不同时，要用双符干或多符干记谱。原记号(ヰ)表示将已经升高或降低的音还原。

变音记号可以记在五线谱的线上和间内;可以记在音符的前面和谱号的后面。 记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前，它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时，可能有三种情况。

更换调号如果发生在一行乐谱的开始处，这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换的调号预先记写清楚，并将一条小节线向前移，以便记写新调的调号。

增加原有升号或降号的数目时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。

减少原有升号或降号的数目时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。

升号变降号或降号变升号时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记

号还原，在小节线的右边写出新调的调号。直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效，而且只到最近的小节线为止，在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号，有时在小节线后面加上另外的临时记号。

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十二音音乐的基本乐理入门知识

乐理中所说的十二音音乐由勋伯格于20世纪二十年代初创建，在乐理中有关它的基本知识非常多。下面我给大家带来十二音音乐的基本 乐理知识 ，欢迎阅读!

十二音音乐的基本乐理知识解析

现代派作曲手法之一。由奥地利作曲家勋伯格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二个音任意排成一个音列，然后以倒置、逆行等技法加以处理，除非所有的音都出现过，否则任何一个音不得重复。贝尔格、韦伯恩(Webern, 1883-1945)继承此法并有所发展。其他作曲家受此法影响者有达拉皮科拉、斯特拉文斯基、沃尔夫、布里顿、兴德米特、箫斯塔科维奇等。

20世纪上半叶，随着人类科学文明的突飞猛进、发展的跌宕起伏，创立新的艺术观和新的由于加线而产生的间，叫做加间，在五线谱上面的加间叫上加间，下面的叫下加间。音乐语言的作曲家大量出现，流派的复杂与风格变换的频繁超过了历史上任何一个时期。这些在20世纪上半叶的钢琴音乐中反映为：以阿诺德·勋伯格为代表的“表现主义”，以伊戈尔·斯特拉文斯基、保罗·兴德米特等为代表的“新古典主义”和以贝拉·巴托克为代表的“新民族主义”。其中，以勋伯格为创始人的新维也纳乐派的“表现主义”十二音音乐在音乐语言上最为极端。

十二音音乐的基本乐理知识介绍

勋伯格是十二音序列音乐的开山鼻祖，创作于1908年的《3首钢琴曲》是部完整的无调性作品。经过近10年的实验，勋伯格于1923年发表了首完整的十二音音乐作品《钢琴组曲》，完成了严格的十二音音乐作曲技术体系。勋伯格的作品虽然音乐语言晦涩难懂，却蕴含着丰富的戏剧性力量。而勋伯格的两位在继承他创作体系的基础上，各自开创了一条新的道路。阿尔班·贝尔格在十二音音乐中揉入了更多的旋律因素，减弱了音乐语言的艰深程度;而另一位安东·韦伯恩创作手法虽然简洁，但音乐语言却比勋伯格更加晦涩。然而，韦伯恩进一步发扬了序列音乐的思维，为后世开创了整体序列音乐写作的先河。

关于谁是真正的十二音技法的创造者?这个问题至今尚存有争议，中世纪有人使用过十二音作曲;俄国作曲家斯克里亚宾的“神秘的”也是十二音作曲的例证;德国作曲家杰夫·戈里谢夫曾在14年写过一首明显的十二音音乐作品。但不管怎么说，勋伯格及其们在研究前人作曲技法的基础上，把十二音技术发展成为现代作曲的一种技法，并在世界音乐史上产生过重大影响，这点却是不容置疑的。

十七的构成是由四个音按三度叠置而成的一种，其显著特点是根音与最上面的音相距为七度，故名七。二音音乐的基本乐理知识概述

十二音技法音乐是现代西方作曲技巧之一，亦称十二音体系，它是现代表现主义音乐的一个流派。产生于次世界大战前夕，11年发生在绘画界。德国的画家康定斯基与画家马克尔、马克等创办了《青骑士》杂志，其中不仅刊登了康氏等人的绘画，而且还发表了许多关于绘画、诗歌、戏剧等方面的表现主义理论 文章 ，其中奥地利音乐家勋伯格的著作掀起了音乐史上表现主义的狂潮。

十二音技法音乐在美学思想和创作技巧上与印象派截然不同，他们认为艺术既不应该“描写”，也不应该“象征”，而应该直接表现人类的精神与体验。这种观点与绘画上的表现主义一脉相承，即通过艺术揭示人类的心灵世界，把疯狂、绝望、恐惧、焦灼等病态情感以及人类不可思议的命运相互掺杂在一起。

该技法在作曲技巧上是反传统的，完全无视过去的调性规律、和声功能规律，而是把八度中十二个音给以同等的价值，抛弃过去主音、属音、下属音等观念，使无调性占有统治地位。由于旧有的旋律轨迹被破坏，使得旋律既不均衡，又无反复，仅仅是一连串独特的音的连续。节奏上也难以捉摸，几乎无拍子可言，打破了过去的平衡，故而显得非常自由自在。在乐队编制和配器上也绝不追求过去的庞大与音响的夸张，而是采取精致而纯朴的我制，带有明显的室内乐性质，但色彩上不像印象主义那样悠闲与冷漠，而是单纯、明快而强烈。

最早试验十二音技法的作曲家一般首推奥地利作曲家豪埃尔。以后经过音乐表现主义人物奥地利作曲家勋伯格及其贝尔格和韦伯恩的多年摸索，他们均以各自的实践证明了这种新思维在音乐创作中的可能性。他们作曲的基本技法是：所有十二个半音按固定顺序组成音列，音列中的每个音不能重复，它没有主题的概念，仅仅是一个骨架，一个渗透在使用它的作品中的音乐概念。1923年，勋伯格的《五首钢琴曲》和室内乐《小夜曲》;贝尔格的《小提琴协奏曲》、小歌剧《璐璐》;韦伯恩的《钢琴变奏曲》(作品 27)、《六首小曲》(作品9)等均是他们的代表作。

基础乐理知识

1：音(Tone)

是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，而使用到音乐中的音(不含音)，一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。

2：音色(Tone以C为低音的大小七五六 是C、降E、降G、降A。-color)

指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色分高、中、低音，并有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色是不同的。

3：共鸣(Resonance)

共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时，引起了 其它 物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。

4：基音(Fundamental tone)

物体振动时所发出的频率的音是基音，其余的为泛音。基音决定音高。

5：泛音(Harmonic overtone)

除了发音体整体振动产生的的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同时振动，是泛音。泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和自然界里所有的音都有泛音。

6：音高(Pitch)

音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。目前通用的标准音"a"，是每秒振动440次的声音。

7：音名(Pitch name)

音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一，在各个是不同的。被广泛采用的是：C D E F G A B。

8：唱名(Syllable names)

唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do，小调的主音用6la。

9：音域(Compass)

人声或乐器所能达到的音和音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。

10：调性(Tonality)

调性指调式类别与主音高度。在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。

11：音阶(Scale)

指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列，这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶(大调)与小音阶(小调)为主。

12：五声音阶(Pentatonic scale)

由五个音构成的音阶。多用于民族音乐的调式。如：do、re、mi、sol、la、(do)。 13：大调(Major mode)

调式的一种。七声音阶，其相邻二音的间距分全音与半音两种。其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外，其余均为全音。大调的色彩较为明朗。

14：小调(Minor mode)

调式的一种，七声音阶有"自然小调"、"和声小调"、"旋律小调" 、"现代小音阶"四形式。小调的色彩一般较大调黯淡，常用来表达悲哀、忧郁的情绪。自然小调(小音阶)的二三两音间与五六两音间为半音。

15：纯律(Just intonation)

与十二平均律不同。音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均，所以不能随便转调，现已被历史所淘汰。

16：主音(Key-note)

17：半音、全音(Semi tone、Whole tone)

将一个八度音分成十二等份，每一份为半音，两个半音相当于全音。半音相当于小二度，全音相当于大二度。

18：协和音程与不协和音程(Consonant,Dissonance)

根据协和的程度可分为完全协和音程(纯1、4、5、8度)和不完全协和音程(大、小3、6度)。除此之外都是不协和音程

19：音程(Interval)

指两音之间的距离。计算音程的单位称"度"，两个音之间包括几个音节就称几度。度数相同的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。

20：十二音体系 (twel-tone , twel-note )

儿童乐理入门基础知识

以C为低音的减七三四 是C、降E、升F、A。

儿童乐理基础知识有很多，比如《欢乐颂》是贝多芬的作品，《天鹅湖》的作者是柴可夫斯基，勇士之歌应该用刚劲有力的情绪演唱，DISCO是迪斯科伴奏风格，MARCH是进行曲伴奏风格，PIANO是钢琴音色，认识高音谱号和低音谱号等等。

乐理基础知识小测试(乐理知识的题目) 1.乐理知识的题目

儿童乐理能够深入浅出的授艺，有很好的教育辅导作用，可以为孩子打下良好的乐理基础。这些知识可以让孩子知道一些中外音乐家的故事，也有一定的局限性，介绍的不够深刻，可以供一些年龄比较低的儿童学习，掌握一些钢琴电子琴等乐器的演奏技巧。可以记一些五线谱，高音谱，全音符，二分音符和四分音符等音符知识。

五线谱：五线谱有五条线，分别是1.2.3.4.5五条线，线的中间空白处是间，一共有四间。

高音谱：二线起头向上弯，弯到三线向下转，升记号(#)表示将基本音级升高半音。转过二线到一线，画圆斜上伸出头，回头交叉第四线，一直往下伸出头，拐弯过来画圆点。

二分音符和四分音符：二分音符空符头，四分音符黑符头。只有符干没有尾，符干一直连着头。

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钢琴基本乐理知识

以下是钢琴基本乐理知识：建国后，我国一直没有出版过集乐理、视唱、练耳为一体的适合高等师范院校音乐专业使用的基本乐科教材。1992年，在济南召开的第五届国民音乐教育改革研讨会期间成立的音乐家协会师范基本乐科教育分会，应广大教师的要求，组成了教学用书编纂委员会，着手编写了包括乐理、视唱、练耳（音乐听觉训练）三个分卷的《基本乐科教程》. 这部教材系列，首先体现了基本乐科教学目的的新观念：一、提高音乐素质。

音符和节拍：音符是音乐符号的基本单位，用来表示音高和时长。节拍是音乐中的基本节律，用来表示音符在时间上的分布。

调性和音阶：在同一乐句或小节中，各声部的。调性是音乐的基本属性，用来表示音乐的主调和音乐表达的情感色彩。音阶是一组音符按照一定的音高顺序【拓展内容】排列而成的序列，通常用来表示一个调性内的音符组合。

和和声：是由多个音符按照特定的规则组合而成的，通常用来表示和声中的进程。和声是指不同的音符同时发出的效果，它是音乐的基本组成要素之一。

节奏和速度：节奏是音乐中的时间感觉，它与节拍有关。速度是音乐的演奏速度，通常用 BPM 表示。

式样和曲式：式样是指钢琴作品的风格和形式，包括奏鸣曲、圆舞曲、狂想曲等。曲式是指钢琴作品的结构和组织方式，包括三部曲式、套曲式、变奏曲式等。

这些基本的乐理知识是学习钢琴的基础，熟练掌握它们可以帮助初学者更好地理解和演奏钢琴作品。

乐理小知识二(有关于音乐乐理知识详细讲解)

1、原位七的形状也像一串糖葫芦，只不过更长，四个音紧密地上下排列，要么都在线上、要么都在间上。

1.有关于音乐乐理知识详细讲解

基本乐科教程 这个书真的很好 我就在用 是黄皮的 内容很全 本书是为高等师范院校音乐专业编写的教材，它是把基础理论知识（乐理）和基本技能训练（视唱练耳）结合起来讲授的一门音乐基础课程。

同时它还可作为艺术院伍业余班、教育、进修院校、中师、幼师、文化馆的教材，以及中小学音乐教师、音乐爱好者的自学参考书。 本书是《基本乐科教程》的一个分卷，在编写上和另两个分卷：《练耳卷》、《视唱卷》是密切配合的。

本书内容除包括记谱方法、基本知识（音长、音高、拍子、节奏、速度、力度、音程、大小调式、民族调式、 、调性变换、装饰音、曲调、织体等）两部分外，还在总结多年的教学经验上增编了一些新的章节。如为培养节奏感的“力度级”和提高音高感的“音色”（如自然色彩、艺术色彩、色度等），。

基本乐科教程 这个书真的很好 我就在用 是黄皮的 内容很全 本书是为高等师范院校音乐专业编写的教材，它是把基础理论知识（乐理）和基本技能训练（视唱练耳）结合起来讲授的一门音乐基础课程。同时它还可作为艺术院伍业余班、教育、进修院校、中师、幼师、文化馆的教材，以及中小学音乐教师、音乐爱好者的自学参考书。

本书是《基本乐科教程》的一个分卷，在编写上和另两个分卷：《练耳卷》、《视唱卷》是密切配合的。本书内容除包括记谱方法、基本知识（音长、音高、拍子、节奏、速度、力度、音程、大小调式、民族调式、 、调性变换、装饰音、曲调、织体等）两部分外，还在总结多年的教学经验上增编了一些新的章节。

如为培养节奏感的“力度级”和提高音高感的“音色”（如自然色彩、艺术色彩、色度等），以及为分析民族调式的“调式音动律”等，本书强调理论联系实际，在音乐要素原理阐述中，提供了较多的音乐作品实例，避免了单纯学理论的枯燥性，提高了学习兴趣，巩固了基础知识。这一方面是为了视唱练耳课的需要，另一方面也是为了让学生打好理论基础，为日后学习其它课程扫清障碍、减少困难。

媒体序 《基本乐科》是把基础理论知识（乐理）和基本技能训练（视唱练耳）结合起来讲授的一门音乐基础课程。对每一个音乐专业的学生都是极其重要的。

但是有些学生，因为对于这门课程的教学目的不很明确，以为这门课程，仅仅是学习识谱、记谱而已。这是把教学手段当作教学目的的误解。

二、发展音乐记忆。三、培养创造意识。

这三个方面，我很赞同。一、提高音乐素质不是单纯技术训练，应该在训练音乐感知力的同时，培养音乐鉴赏力，使之提高理解音乐作品的能力。

没有良好的音乐记忆力无论搞什么专业（奏乐、唱歌、撰文、谱曲）都是寸步难行的。传说中莫扎特和我国唐代歌女罗黑等有惊人的记忆力，虽然有其天赋的因素，但是和他们在学习过程中，早已在大脑里储存了大量的音乐信息是分不开的。

据科学家测定，人脑可以储藏4600万个信息。一般的人，还有百分之九十的潜力没有发挥出来。

所以，我们在音乐基础课中，帮助学生发展记忆力，是非常必的；多年的经验也表明是完全可能的。三、培养创造意识，首先要求学生养成思考习惯.不仅课下必须坚持独自完成作业，而且在课堂上要善于总结老师所讲内容，能抓住重点，提出疑点。

本教程中，设计了视唱练习的理论分析题和要求带有即兴创作性质地进行基本技能训练。这些办法对培养有创造精神的开拓型人才是大有好处的。

《基本乐科教程》是在继承传统的基础上，发挥集体智慧，首先总结我国教学经验，同时参考国外新的教材和先进教法，汲取我国民族音乐理论科研成果，并突出师范性，从实际出发，面向基础。对在我国争论了几十年的唱名法，本教程明确提出以首调唱名法为主，兼学固定唱名法的建议。

这是符合我国师范院校实际的.本教程中所提出的如何掌握这两种唱名法的具体教学方法，对初学者也是很有帮助的。 《基本乐科教程》的三个分卷，在教学上以练耳（音乐听觉训练）为主线。

视唱和乐理的讲授，要围绕着听觉训练中的八个音乐要素，让学生在八个反复循环的螺旋式上升中进行学习。这种教材、教法，在国外已被充分肯定，广泛使用。

因为它符合人脑在学习时要求的由浅入深、循序渐进、反复巩固、不断提高的客观规律。 《基。

2.关于乐理的小知识有哪些

关于乐理的小知识（一） 1：音（Tone） 是一种物理现象。

物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，而使用到音乐中的音（不含音），一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。

音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。 2：音色（Tone-color） 指音的感觉特性。

发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器 乐音色。

人声音色分高、中、低音，并有男女之分；器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打 击乐器的音色是不同的。 3：共鸣（Resonance） 共鸣指的是一种振动。

当一个发音体振动时，引起了其它物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。 4：基音（Fundamental tone） 物体振动时所发出的频率的音是基音，其余的为泛音。

基音决定音高。 5：泛音（Harmonic overtone） 除了发音体整体振动产生的的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也 是同时振动，是泛音。

泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和 自然界里所有的音都有泛音。

6：音高（Pitch） 音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。

目前通用的标准音"a"，是每秒振动440次的声音。 7：音名（Pitch name） 音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。

这些名称没有统一，在各个是不同的。被广泛 采用的是：C D E F G A B。

8：唱名（Syllable names） 唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。

大调的比小字一组低的组，依次定名为小字组、大字组、大字一组及大字二组。主音用1do，小调的主音用6la。 9：音域（pass） 人声或乐器所能达到的音和音之间的范围就叫音域。

在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。

关于乐理的小知识（二） 11：音阶（Scale） 指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列，这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。

我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶（大调）与小音阶（小调）为主。 12：五声音阶（Pentatonic scale） 由五个音构成的音阶。

多用于民族音乐的调式。如：do、re、mi、sol、la、（do）。

13：大调（Major mode） 调式的一种。七声音阶，其相邻二音的间距分全音与半音两种。

其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外，其余均为全音。大调的色彩较为明朗。

14：小调（Minor mode） 调式的一种，七声音阶有"自然小调"、"和声小调"、"旋律小调" 、"现代小音阶"四 形式。小调的色彩一般较大调黯淡，常用来表达悲哀、忧郁的情绪。

自然小调（小音阶）的二三 两音间与五六两音间为半音。 15：纯律（Just intonation） 与十二平均律不同。

音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均，所以不能随便转调，现已被历史所淘汰。

16：主音（Key-note） 调式音阶里的音。十二平均律（Temperament）音律的一种。

把一个八度音均分为十二个半音，半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。

17：半音、全音（Semi tone、Whole tone） 将一个八度音分成十二等份，每一份为半音，两个半音相当于全音。半音相当于小二度， 全音相当于大二度。

18：协和音程与不协和音程（Consonant,Dissonance） 根据协和的程度可分为完全协和音程（纯1、4、5、8度）和不完全协和音程（大、小3 、6度）。除此之外都是不协和音程。

19：音程（Interval） 指两音之间的距离。计算音程的单位称"度"，两个音之间包括几个音节就称几度。

度数相 同的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。 20：十二音体系 （twel-tone , twel-note ） 现代派作曲手法之一。

由奥地利作曲家勋柏格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性 与和声体制，将半音音阶中的十二个音任意排成一年音列，然后以倒置、逆行等技法加以处理， 除非所有的音都出现过，否则任何一个音不得重复。

关于乐理的小知识（三） 21：五声音阶 （prentatonic scale） 八度内有五音，谓之"五声音阶"。 22：七声音阶 （diationic scale） 八度内有七音，就称为"七音音阶"。

23：力度 （dynamics） 力度指演奏、演唱乐曲时音响的强度。以力度记号表示，如f（强）、p（弱）、<（渐强）、>（渐弱）等。

26： 不定音高 （inderterminate pitch） 乐曲中所采用的没有明确音高的声音叫不定音高。实为噪声，原不属于乐章范围。

现代派作 曲家常用之，如锯木声、折纸张声、打字声、扫地声、敲击声、嘘声、呼啸声等等。 27：不对称节奏 （asymmetric rhythm） 又称"复节奏"（polyrhythm）。

3.谁能说一些实用的基础乐理小口诀,小技巧

1、五线谱；

五线谱，五条线，间隔着四个间；第三间，高音"哆"；下加一线中音"哆"；一线"咪"（mi），二线"嗦"；一二三间"法、拉、哆"。

五线谱，像楼梯向上高，向下低；一二三线，357 一二三间，461 四线五线唱24（高音）第四间上唱个3（高音）；

线小猫 第二线小老鼠嗖；间小红花发第二间小提琴拉。

中下加一线敲敲门dododo；下加一间打招呼rerere；线上小猫叫mimimi；间里放沙发fafafa；第二线上把话说solsolsol；第二间里把手拉lalala；第三线呀笑嘻嘻sisisI；第三间里歌儿多dododo;

2、高音谱号

二线起头向上弯，弯到三线向下转，转过二线到一线，画圆斜上伸出头，回头交叉第四线，一直往下伸出头，拐弯过来画圆点；

全音符，空符头，没有符干连着头，没有符尾连着干，只有一个空符头，记住它要唱四拍；

4、二分音符和四分音符

二分音符空符头，四分音符黑符头；只有符干没有尾，符干一直连着头；符干朝下写在左，符干朝上写在右；二分音符唱二拍，四分音符唱一拍；黑白符头要分清，黑一白二不能忘；

5、八分音符

八分音符黑符头，还有符干连着头；一条尾巴长有黑，连着符干的右边；八分音符很特别，记住它只唱半拍；

6、十六分音

十六分音符黑符头，还有符干连着头；两条尾巴长有黑，连在符干的右边；十六分音符很奇特，只唱四分之一拍；

扩展资料

五线谱 （Musical Notation）是目前世界上通用的一种记谱法，通过在五根等距离的平行横线上标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐，属于运用最广泛的乐谱之一；

最早的发源地是希腊，它的历史要比数字形的简谱早得多。在古希腊，音乐的主要表现形式是声乐。到了罗马时代，开始用另一种符号来表示音的高低，这种记谱法称为“纽姆记谱法”；

五线谱主要服务于键盘乐器，熟识五线谱是键盘手进行出色演奏的基础。

4.乐理基础知识

1、卖本《基本乐理》（九五的那本），系统学习

2、《和声学》《配器法》《复调》《曲式分析》4本书是音乐创作必备的教程，另外看看《音乐字典》，尤其是讲乐器的音域和音色的部分，对于吉他 ，建议买本《吉他自学三月通》，哪怕是盗版的也可以用

3、刚刚开始的的时候建议写点小歌，一段体，二段体，三段体之类的，然后再写难度比较大的奏鸣曲，回旋曲，交响曲等，也可以写些小型器乐体裁的，例如室内乐中的三重奏，四重奏，夜曲等等

4、想写很容易，想写好的话还是得付出很多的精力和时间去琢磨的，经常听听别人的配器，对自己也会有很大提高

5.自学乐理知识的方法

我开始学习乐理用的书予阁下借鉴

1 高考音乐强化训练（基本乐理模拟试题和） 钱仁平等著

前半部分为试题 后半部分为 最基础部分

2 走进音乐殿堂（基本乐理与音乐常识卷5.乐理练习题） 郑世连编写

还有一些书实在无法找到 请见谅

不过一些知识和题目的做法光靠看很难学会 建议找一些正规的 加入专门的版块 对无法理清的问题进行提问 可能会有些帮助 希望阁下可以早日学好乐理 加油 宋大叔教音乐

最主要的是练习，直到掌握乐谱中的每个细节，多唱，多练。按宋大叔的步骤来，从零开始，只要坚持下来，没有问题

音乐基础知识乐理

音名与唱名更多的涉及到大小调体系；阶名和律名则属于传统 宫调体系的范畴。 ·音名 是乐音具有固定音高概念的音级的名称，即上面提到的七个音级的字母表示：C D E F G A B 。

学习音基的意义【1】

首先，拿的不是弓，而是一枝铅笔。

音基是音乐基础知识的简称，是音乐学习的必修课，学好音基是走入音乐世界的步。

1、在传统的器乐学习、声乐学习过程中，教师很少单独把音基、乐理视唱练耳的内容单独，通常是融合器乐学习过程中，这样大大延长了器乐教学的时间进度以及教学效果。

单独把音乐基础知识的内容提取做成一个体系式的课程，涉及到音乐理论、视唱练耳、音乐常识等内容进行专项指导，会让孩子对音乐有一个宏观的认识，这样再去学习钢琴、小提琴等器乐时，老师则能过更加关注于技巧及音乐表现力的讲解，在已有音基基础上，使孩子更容易接受新的知识，大大提高音乐学习效果。

2、音基学习是任何器乐学习的必修课，音基本身的重要性也在日益增加。在今年的小学生素质教育施行纲要里，明确把大力开展儿童音基学习放进了规划中，这对儿童教育全面发展有着重要的意义。

在小学阶段，“字母”、“数字”和“音符”是孩子学习的三大领域。

“字母”就是英语学习。随着发展，化是必然趋势，英语作为语言，是每个孩子走向未来应该具备的能力。

“数字”就是数学学习。数学是与人们生活息息相关的基础学科，也是每个人都必须掌握的，但奥数学习就需要因人而异了，并不应该强求每个孩子都学习奥数。

“音符”就是音乐学习。“字母”和“数字”多年都是各个学校比拼的重点。而“音符”则是被传统教育长期忽视的领域。儿童素质教育在今天越来越被和家长重视，音乐是一种无国界的语言，音乐素养对孩子成长过程带来的帮助不言而喻，切实希望每个孩子都要懂得五线谱和乐理知识，具备一定的音乐素养，这就是音基—音乐基础知识。“让每个孩子懂得生活的美，那你就大声唱出来吧”——这曾经是很多中关村小学的艺术口号，也就是现在事实上就是音基的课程。

3、音基包含乐理知识、视唱练耳内容、以及音乐常识三方面，在阳光音基的体系中，还有一类就是儿童作曲这一类，这四项学习之后，我们希望看到的是孩子们都可以懂音乐、爱音乐、在音乐的陪伴中快乐成长。

音乐乐理基础知识大全【2】

章 音及音高

音是由于物体的振动而产生的

音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。

音的高低是由于物体在一定时间内的振动次数(频率)而决定的。振动次数多，音则高;振动次数少，音则低。

音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长;音的延续时间短，音则短。

音的强弱是由于振幅(音的振动范围的幅度)的大小而决定的。振幅大，音则强;振幅小，音则弱。

音色则由于发音体的性质、形状及其泛音的多少等而不同。

由于音的振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。

第二节 乐音体系音列音级

在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。

乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。

乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级。

乐音体系中，七个具有名称的音级叫做基本音级。

基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。

字母体系：C D E F G A B

钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。

两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。

升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用“升”或“#”来标明。降低半音用“降”或“b”来标明。升高全音用“重升”或“×”来标明。降低全音用“重降”或“bb”来标明。

如：升C或#C 降C或bC

第三节 音的分组

为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个“组”。

在音列的一组叫做小字一组。它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示。

比小字一组高的组顺次定名为：小字二组拍子（拍号 ）、小字三组、小字四组、小字五组。

小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示。

小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示。

大字组用不带数字的大写字母来标记。

大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明。

大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明。

第四节 音域及音区

总的音域是指音列的总范围，即从它的音(C2——c5)间的距离而言。

个别的人声或乐器的音域是指在整个音域中所能够达到的那一部分，如钢琴的音域是A2——c5。

音区是音域中的一部分，有高音区、低音区、中音区三种。

在整个音域中，小字组、小字一组和小字二组属于中音区。小字三组、小字四组和小字五组属高音区。大字组、大字一组和大字二组属低音区。

各音区的特性音色在音乐表现中，有着重大的意义。高音区一般具有清脆、嘹亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、笨重之感。

第二章 音律

乐音体系中各音的准确高度及其相互关系叫做音律。

将八度分成十二个均等的部分——半音——的音律叫做十二平均律。

半音是十二平均律组织中最小的音高距离。两音间的距离等于两个半音的叫做全音。八度内包括十二个半音，也就是六个全音。

在音列中的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。

根据复合音的第二分音和第三分音的纯五度关系，即由某一音开始向上推一纯五度，产生次一律，再由次一律向上推一纯五度，产生再次一律，如此继续相生所定出的音律叫做五度相生律。

纯律是于五度相生律用以构成的第二分音和第三分音之外，再加入第五分音来作为生律要素，构成形式。

第四节 自然半音和自然全音变化半音和变化全音

由两个相邻的音级构成的半音叫做自然半音。如;e—f #e—#f #g—a

由相邻的两个音级形成的全音叫做自然全音。如：C—d C—#d ba—bB

由同一音级的两种不同形式所构成的半音，叫做变化半音。如：C—#C D—bD bbB—bB

由同一音级的两种不同形式或隔开一个音级所构成的全音，叫做变化全音。

如：B——bbB #C——bE

第五节 等音

音高相同而意义和记法不同的音，叫做等音。

第三章 记谱法

记录乐曲的方法叫做记谱法。

节 音符与休止符

用以记录不同长短的音的进行的符号叫做音符。

用以记录不同长短的音的间断的符号叫做休止符。

第二节 五线谱

用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。

在五线谱上面的加线叫上加线。下面的叫下加线。

第三节 音符与休止符的写法

音符包括三个组成部分：符头(空心的或实心的椭圆形标记)、符干(垂直的短线)和符尾(连在符干一端的旗状标记)。

用单符干记谱，符头在第三线以上时，符干朝下，写在符头的左边;在第三线以下时，符干朝上，写在符头的右边。符头在第三线上，符干朝上朝下都可以，根据邻近的符干方向而定。符尾永远写在符干的右边并弯向符头。

附点写在音符符头和休止符右边的间内，而不记在线上。

第四节 谱号

通常用的谱号有三种：

G谱号：表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号;

F谱号：表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号;

C谱号:表示小字一组的c， (中音谱号又称为三线中音谱号 次中音谱号又称为四线中音谱号)

第五节 增长音值的补充记号

附点：是记在符头右边的小圆点，带有一个附点的音符，增长原有音符时值的二分之一。带有两个附点的音符，，增长原有音符时值的四分之三。

附点音符也同样适用于休止符。

延音线：用在音高相同的两个或两个以上的音符上时，表示它们要唱成一个音，它的长度等于这些音符的总和。(在单声部音乐中，连线永远写在和符干相反的方向。)

第六节 变音记号

用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号。

变音记号有五种：

1.升记号：(#)表示将基本音级升高半音。

2.降记号：(b)表示将基本音级降低半音。

3.重升记号(×)表示将基本音级升高两个半音(一个全音)。

4.重降记号(bb)表示将基本音级降低两个半音(一个全音)。

变音记号可以记在五线谱的线上和间内;可以记在音符的前面和谱号的后面。

第七节 省略记号

2.重复八度记号 用数字8记在音符的上面或下面，表示该音要高八度或低八度重复。

3.长休止记号 在五线谱的第三线上记以长休止符，并写出所要休止的小节数。如：3

4.震音记号

表示一个音或一个，两个音或两个迅速均匀地交替。用斜线标记。斜线的'数目和符尾的数目相同。

5.反复记号

乐曲部分或全部重复时，可使用反复记号。

乐曲中一次或多次重复某一小节是，用点加斜线点表示。该记号记在两小节之间的小节线上，则表示前面两小节的旋律型再重复一次。

乐曲中较大的重复，用反复记号||： ：||表示。

第八节 演奏法的记号

1.连音奏法它是用连线来标记的，表示连线内的不同音高的音要奏(唱)得连贯，连音奏法的连线大都记在五线谱的上面，很少记在下面。

2. 有三种。分别以圆点(·)、三角(▲〈朝下〉及圆点加弧线(......)来标记，表示某些音或要段续地弹奏。

3.持续音奏法有两种：一种是用短横线来表示，一种是用短横线加圆点来表示，前者表示该音稍强奏并充分保持该音的时值，后者表示该音稍强奏，同时各音稍分离。

4.滑音奏法 在民间音乐的演奏演唱中，滑音的奏法是很有特色的，它的记号一般用曲线或箭头来表明。

5.琶音奏法

将中的各音由下而上很快地分散弹奏叫做琶音奏法，用垂直的曲线放在之前来标记，有时也用小音符来标记。

乐理知识

有些时候现场表演也会混合一些事先做好的录音，如DJ用唱片做出的摩擦声。当然，也可以制乐音体系中的各音级，其高度都有一定的标准。音的标准高度，历代不尽相同。目前通用的标准高度（高度）是每秒钟振动440次的a音，即以小字一组的a为“标准音”。间有了统一的音高标准，为理论研究、乐器制作、文化交流诸多方便。每秒振动约261次的c音在乐音体系中叫c，它位于基本音级首位。作自己的音乐，通过歌唱，玩乐器或不太严密的作曲。

你把C打调的音写出来就是1 2 3 4 5 6 7 1

写G大调就是5 6 7 1 2 3 #4 5

就成了 全 初中生音乐B级考试理论模拟卷全 半 全 全 全 半

这样就跟C调是一样的了，不管什么调都是遵守这个（全 全 半 全 全 全 半）的关系，C调里#4固成了G调音型，乐理里面有个五度相生律，你去看看就明白了！

第二个问题---跟上面解释一样，还是 五度相生律 里的问题，按同上方法排列就得出结果，如你把#1，#4看成b2,b5他就成了A大调了

简谱乐理基础入门知识

一、关于用声的误区

简谱 是一个法国人在 五线谱 的基础上发展出来的记谱 方法 ，它最初的目的是为了便于教学，而不是为了演唱和演奏。以下是我给大家整理的简谱乐理基础入门知识，希望对大家有所帮助，欢迎阅读!

音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。 10：调性（Tonality） 调性指调式类别与主音高度。

简谱乐理基础入门知识

1.音高

简谱用七个数字表示调式中的七个自然音级，即用1、2、3、4、5、6、7来代表do、re、mi、fa、so、la、si，这七个数字就是简谱中的音符。在音符的上方加一个圆点(叫做高音点)表示高一个八度，在音符下方加一个圆点(叫做低音点)则表示低一个八度。若在上方加两个圆点，即表示高两个八度，在下方亦是如此，依此类推。

不带点的音符称为“中音”，带高音点的音符称为“高音”，带低音点的音符称为“低音”。为了演奏(演唱)的方便，一般将乐曲音域的中音区记成不带点的音符(中音)，这样可以减少一些记谱符号，看得更清楚。

do、re、mi、fa、so、la、si只说明了音与音之间的相对关系，并没有规定每个音的音高，所以在乐曲开头的地方(和转调的地方)要用调号标明某一个音的高度，以便据此推断 其它 所有音的音高。调号的形式是“1=C”、“6=A”、“2=D”等;用作调号的音是调式主音，“1=C”就意味着这首乐曲是C大调(或C宫调式，关于民族调式的概念，下面将会介绍)，“6=A”意为A小调(或A羽调式)，2=D意为D商调式。不过，近来更常见的标记方法是无论什么调式都用“1”来作为调号的基准音，即“1=C”、“1=D”、“1=E”等等。这样做的好处是一目了然，人们常说一首歌是“C调”、“D调”，就是指“1”的高度;其主要的缺点是不能反映乐曲的调式，容易在说法上和概念上造成混乱。例如，一首“1=C”的小调歌曲，其调性是a小调(因为主音的高度是A);

临时变化音记号(升、降号)的写法和用法与五线谱完全相伺，可参见前面的章节。

2.时值

简谱以四分音符作为基本音符，通常将四分音符称作“一拍”。在基本音符的后面或是下面的小横线起到改变时值的作用;在基本音符后面的小横线称作“增时线”，每一个增时线代表一个基本音符的时值单位(即一拍)，下例分别为一拍、二拍、三拍和四拍：

其中的a对应于五线谱的四分音符，b对应于二分音符，c对应于附点二分音符，d对应于全音符。

在基本音符下面的小横线称作“减时线”，每一条减时线将基本音符的时值减少一半;下例为半拍(即八分音符)和四分之一拍(即十六分音符)的写法：

同五线谱完全一样，简谱也可以用附点来改变基本音符的时值，的不同之处在于简谱没有全音符和二分音符(这两种音符是用增时线来表示的)，所以附点只用在四分音符和小于四分音符的各种音符上;附点音符的写法和名称与五线谱是一样的，不必赘述。

3.体止符

简谱用“0”表示休止，0的时值相当于一个四分音符(即一拍)。改变基本音符时值的三种方法，即增时线、减时线和附点，同样可以用在休止符上。

4.五声调式

顾名思义，五声调式就是由五个音(而不是七个)构成的调式。五声调式广泛存在于古代和民间音乐中，并且在这个基础上形成了民族调式的种.种变化和完整的音乐理论体系，因此，尽管在许多和地区的传统音乐中都可见到五声调式，它还是常被称为“调式”或“民族调式”。

五声调式中的五个音是按照五度上行的关系得出的;定从do开始，即为：

do→so→re→la→mi，为了方便起见，下面我们用简谱来叙述(所以将这部分内容放在“简谱知识”这一章中)。

将这五个音顺序排列起来，便得到一个五声音阶，音阶内部的音程结构是固定不变的，并且其中的每个音都有一个名称：

五个音中的每一个都可以是调式的主音，由此产生了五种调式：

宫调式：1 2 3 5 6(1)

商调式：2 3 5 6 1(2)

角调式：3 5 6 1 2(3)

徵调式：5 6 1 2 3(5)

羽调式：6 1 2 3 5(6)

在调式名称的前面再加上调高，就构成了完整的调性名称。例如宫调式，1=C对称为“C宫调”，1=D时称为“D宫调”，1=E时称为“E宫调”……;又如徵调式，5=C时称“C徵调”，5=D时称“D徵调”，5=E时称“E徵调”……;其它调式依此类推。

以五声调式为核心，还有六声调式和七声调式，即由六个音或七个音构成的调式。在这种情况下，原来的五个音称作“正声”(或正音)，新加入的音称作“偏声”(或偏音)。偏声分为四种：

变宫：宫音下方的大二度，如1是宫，变宫为7;如果4是宫，变宫就是3。

清角：角音上方的小二度，如3是角，清角为4;如果6是角的话，清角就是b7。

变徵：徵音下方的小二度，如5是徵，变徵为#4。

闰：宫音下方的大二度，如果1是宫，闰就是b7。

五个正音和七个偏音的关系是：

1 2 3(4)(#4) 5 6 (b7)(7)

宫 商 角 清 变 徵 羽 闰 变

这四个偏音加入之后，产生了大量的调式，例如：加清

角和变宫的七声宫调式：1 2 3 4 5 6 7 1

加变宫的六声羽调式：6 7 1 2 3 5 6

加变宫的六声徵调式：5 6 7 1 2 3 5

加清角和闰的七声徵调式：5 6 b 7 1 2 3# 4 5

加变宫和变徵的七声徵调式：5 6 7 1 2 3# 4 5

不同的调式会产生不同的“味道”，如果平时多留心，从听觉上判断调式并不困难。如果我们要从理论上分析、确定一首音乐作品(这里指的是民歌或是用民族调式写成的作品，用大、小调体系或其它欧洲调式写的作品不在此列)的调式，应该做的事情是(1)找出调式主音：大多数情况下，乐曲是结束在主音上的，最简单的办法就是先看结束音是什么，再将旋律唱一遍，看看调式是不是围绕这个音进行的，如果不是例外的话，主音就可以确定了;(2)列出调式音阶：将乐曲中出现的所有的音从主音开始向上排列，直到高八度的主音为止，这样就列出了这个调式的音阶;(3)确定宫音：现在我们已经知道了调式的主音，但是仍然不知道调式的名称，这就需要先知道宫音的位置(从而知道其余各音的名称)。五声调式有一个特点，主音上方、宫音和角音之间有一个大三度音程，由于这个“宫—角大三度”是五声性调式中的大三度，所以很容易判断，可以据此找出宫音的位置。也就是说，在列出调式的音阶之后，如果其中只有一个大三度，那么它肯定是宫—角大三度，下方的音就是宫音。如果在音阶中发现两个大三度，其中一定有一个是由偏音(相对不稳定的音)构成的，需要找出这个偏音，排除一个“虚”的大三度，再确定宫音的位置;(4)明确了主音、音阶、宫音、调高四个因素之后，就可以说出乐曲的调性了。下面是山西民歌《交城山》，我们用它做例子来看一看分析的步骤：

(1)找出主音 在这个例子中，开始的音和结束的音都是“5”，主音是毫无疑问的;

(2)列出音阶 乐曲中所有的音按照出现的顺序为：5，#4，3，6，2，1，7，共七个音;由主音到主音排列起来，其音阶为：5，6，7，1，2，3，#4，5;(3)确定宫音在这个音阶中有三个大三度，5—7、1—3和2—#4，分析一下旋律，我们可以看出#4只出现了一次，能够肯定不是正音，7虽然出现了三次，但是都不在强拍位置，只是作为经过音使用，也不是正音，因此5—7和2—#4是“虚”的，1—3是宫角大三度，1为宫音;各音的名称为：

5 6 7 1 2 3 #4 5

徵羽 变 宫 商 角 变 徵

宫徵

(4)根据调号“1=G”，可知主音5的音高为D，所以这首曲子是D徵调式，完整地讲，是加变宫和变徵的七声D徵调式。

5.小结

就记谱形式而言，简谱与五线谱只有两点不同，即音高和时值的表示方法。由于简谱是从五线谱脱胎而来的，所以在其它方面与五线谱没有什么原则的区别;比如说连线的用法、调式中各音的名称和性质、音程及音程转位等内容，在学习了前面各章之后，都是不言自明的事情。不过，懂得了这些理性的、理论的知识并不意味着能够视唱或者视奏;要达到那样的目的，需要经过一段时间的练习，在音准和节奏两方面都掌握感性的 经验 ，并且达到一定的熟练程度。

唱歌 的声音制作方法

吸入：通过口腔和鼻子垂直向下吸入肺部底部。注意不要抬起肩膀。吸气时，它会在下肋骨附近扩张。在腹侧，膈肌逐渐扩张，使腹部向前和向左和向右扩展，而下腹部收缩并且不扩张。背部应该直立，脊柱几乎不动，但它的两侧可以移动，它必须向下和向左和向右扩展。此时，空气向两侧推回并在那里存放，保持它，然后慢慢呼出它。

在歌唱训练中，“打开喉咙”是一个非常重要的中心环节，它直接影响到声音的质量。“打开喉咙”意味着喉咙稳定在正确的位置，口腔的盖子向上正向收缩成拱形，舌根松弛，下牙平坦，牙齿打开，下巴放松，后来自然被拉下来，此时喉咙打开了。

唱歌技巧 有哪些

歌唱技巧：身体自然直立，保持自然放松，身体完整性可以使身体发出的声音非常好。嘴是唱歌的小号。它应该是开放和松散的。保持牙齿开放。唱歌时，下颚缩回。正确的感觉应该是好像在下腹部和眉毛之间形成直线，并且颈部和背部和腰部连成一条直线，以使呼吸畅通无阻。

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音乐乐理入门基础知识

大致的提纲就是这样，如果想深入了解学习，网上有很多乐理辅导书籍和习题册卖的。如有表述不妥请指正。。我今年也才刚艺考完上了大学emm

音乐乐理入门基础知识大全

D大调：D E F# G A B C# D

音乐理论简称"乐理"，包括相对简单的基础理论----读谱、音程、、节奏、节拍等等。还有相对来说比较高级的----和声、复调、曲式、旋律、配器法等内容。下面我为您收集整理了音乐乐理入门基础知识，希望对您有帮助！

记录音乐的方法有很多种，在古代曾经使用过的就有文字谱、工尺谱等几大类别，用于不同的乐器时又有古琴谱、琵琶谱之分。同文字类似，乐谱就是人们规定的一套符号体系，不管使用什么样的记谱法，其目的都是准确地将音乐记录下来，以便根据这个记录来传播和再现(表演)。五线谱是现代通用的记谱方法，在掌握了五线谱之后，学习简谱将会是非常容易的事情。

乐谱分类方式

乐谱分类方式一

1、古代就有“宫，商，角(jue)，徵(zhi)，羽”五音，对应简谱中的1 2 3 5 6，是乐谱的基本音符，在谱曲时古曲用这五个音。在谱曲时是以它们其中的一音定调，只有在乐曲中才会体现音节，几分音符和音的长短。如云南民歌《小河淌水》就是这样谱曲的，整首歌里没47两音出现，是传统民歌。

2、简谱，是指一种简易的记谱法。有字母简谱和数字简谱两种。一般所称的简谱，系指数字简谱。数字简谱以可动唱名法为基础，用1、2、3、4、5、6、7代表音阶中的7个基本音级，读音为do、re、mi、fa、sol、la、si，休止以0表示。每一个数字的时值名相当于五线谱的4分音符。

数字简谱的雏形初见于16世纪的欧洲。17世纪时法国方济名会教士J·J·苏艾蒂加以改进后用来教唱宗教歌曲。18世纪中叶，的法国思想家J·J·卢梭再加改进，大力倡导，并编入他的《音乐辞典》之中。19世纪，经过P·加兰、A·帕里斯和E·J·M·谢韦3人的继续改进和推广，才在群众中得到广泛使用。因此这种简谱在西方被称为“加—帕—谢氏记谱法”。

19世纪末叶，简谱传到日本，再传入。1904年沈心工编著出版的《学校唱歌集》是最早自编的一本简谱歌集;之后逐步普及到各地的学校，30年代随着救亡歌咏运动的开展，简谱得以在群众中广泛流传。

由于简谱的记法与的工尺谱(流行在民间的一种文字谱)相当接近，因此在简谱得到了空前的发展，就世界范围而言，是把简谱吸收得、最发扬光大的。而五线谱，通过以西方为中心的音乐教育体制，已基本通行于各个，在学校里已是必修项目之一，它为世界音乐统一于一谱提供了基础。

3、五线谱，是世界上通用的记谱法.在5根等距离的平行横线上，标以不同时值的音符及其他记号来记载音乐的—种方法。五线谱的每根线以及线与线之间的空间，自下而上分别称为线、第二线、第三线、第四线、第五线和间、第二间、第三间、第四间。线和间如不够使用，可在五线谱上方或下方增加线和间。加线及加间各分别称为上加线、上加间，下加线、下加间等，各代表一个音级。这些音级的固定高度根据所用的谱号来决定。谱号有三种：高音谱号，又称G谱号，低音谱号，又称F谱号，中音谱号，又称C谱号。五线谱为适应不同音域的人声和乐器的需要，并避免过多的加线，有多种谱表，其中常用的有五种：即高音谱表(用G谱号)：低音谱表(用F谱号)、女高音谱表、中音谱表、下中音谱表(后三种用 C’谱号)。女高音谱表现已不常应用，中音谱表仅用于中提琴，次中音谱表常用于大提琴、大管、长号的较高音区。此外还有上低音谱表、女中音谱表等。

4、点字谱，是一种适合盲人使用的记谱法。分为六点制乐谱(现行的)和12点制乐谱(革新的)两种。六点制乐谱，由法国盲文之父·(Louis Braille)发明，一方点符只能表达乐音的音名和时值(全音符至64分音符)，音组另需一方点符。12点制乐谱，在《12点制三拼点字》的基础上发明而成，像简谱一样，一方点谱可表达一个完整音符(时值、音名和音高)，乐谱表达力更强。

说明：

1、 三个点列符组成一方12点制音符，列点符表达音值，第二列点符表达音名，

第三列表达音组;可实现音符与。

2、 拍子号(X0Y)，位于全曲开头，列点符表示每拍的时值，第三列点符表示拍子数。

3、 连音号(X0Z)，列点符表示每拍的时值，第三列点符表示连音符的时值。

4、 音符(XX0)，其根音音符不变，非根音略去音组点符。

5、 倚音记号(D00)，表示前倚音，倚音记号放在倚音符前边;表示后倚音，倚音记号放在

主音符前边，后倚音放在主音符后边。

乐谱分类方式二

较有针对性的记录不同种类乐器的演奏方法的乐谱，列如：钢琴谱、吉他谱、古筝谱、琵琶谱等。

音乐的分类及特点

按声部和声部状况:

1.单声部音乐--只有一个旋律的乐曲如无伴奏的独唱、独奏、齐唱等;

2.复调音乐--是在和谐的前提下,几个曲调参进入,它们既相互配合又发展的一种乐曲,复调音乐在巴赫手中,达到了高度完美的境界。

3.主调音乐--是指一个声部演奏主旋律，其余声部用和声给主旋律陪伴奏的一种音乐。海顿是主要代表人物。

按音乐的性质：

1.纯音乐--是完全靠音乐语言，而不是借用任何标题来表达作品的内容。它也有曲名，如“奏鸣曲”等，但着只是指音乐的体裁，并不表明乐曲的内容。欣赏者自己准备聆听的乐曲的作曲家所处的年代、经历、世界观以及乐曲产生的背景等，有个大概的了解。

2.标题音乐--是根据一定的主题构思并用标题暗示中心内容的器乐曲。常取材于文学、戏剧、历史、民间传说或现实生活。它们用详细的文字说明全曲及每一乐章的特性。可以说，标题音乐是音乐的文学化。标题是作曲家预先指示的一个方向，以帮助欣赏者去联想，并没有任何局限的作用。

3.轻音乐--指轻快活泼、通俗动听、结构短小的音乐，是与严肃的古典音乐相对而言的。欣赏轻音乐不需严肃的思考和理智活动，它只给人以美的享受，陶冶人的情。

4.爵士音乐--是一种通俗的舞曲性质的音乐。是从美国黑人中兴起的，这种音乐没有固定的乐谱，每个乐手都即兴演奏，保持着大致的“默契”。即兴性一直成为爵士音乐的一大特点。可以认为，爵士音乐是美国音乐文化的精髓。

乐理入门基础知识

一、将各种三、七的结构牢固记忆。

这包括：

1、四种三的结构和名称。（大三、、增三、减三）

2.四种三的转位结构和名称。（转位，第二转位）

3.常用的五种七的结构和名称。

4.五种七的转位结构和名称。（转位，第二转位，第三转位）

二、识别五线谱上各种的形状。

三的形状：

1、原位三的形状像一串糖葫芦，三个音紧密地上下排列，要么都在线上、要么都在间上。

2、三的转位（六）的形状是：三度在下、四度在上，下密上疏。

3、三的第二转位（四六）的形状是：四度在下、三度在上，上密下疏。

七的形状：

2、七的转位（五六）的形状是：有一个二度音程（两个音斜着交叉），出现在糖葫芦的顶端，习惯上形象地称之为“戴帽子”。

3、七的第二转位（三四）的形状是：有一个二度音程（两个音斜着交叉），出现在糖葫芦的中间，习惯上形象地称之为“扎腰带”。

4、七的第三转位（二）的形状是：有一个二度音程（两个音斜着交叉），出现在糖葫芦的下端，习惯上形象地称之为“穿靴子”。

三、结构的识别方法。

1、记准原位三调式音阶里的音。十二平均律(Temperament)音律的一种。把一个八度音均分为十二个半音，半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。、七的基本结构。

2、再记准三、七转位的结构。

3、也可以将转位恢复为原位，再通过原位来推算转位的结构。

声乐乐理基础知识入门

一般概念的发声原理是肺部呼出的气流通过喉头时促使声带震动，产生声音，而歌唱发声的运动原理却是在人的本能发声的基础上，限度的调整声带与周边肌肉的合理运动，产生强大而丰富的、符合歌唱技术需要的声音状态。在进行歌唱训练时学生往往混淆了这两种不同层次的声音状态，用本能发声的心理暗示指导艺术歌唱，从而导致喉头上提、声音漏气等用声上的误区。要克服以上发声错误，就必须把生活中的本能发生习惯与艺术歌唱的发生要求严格区分，建立正确的发声意识。

声带的闭合能力一部分是自身机能，一部分是依靠其周围有关肌肉的协调配合。生活中本能的发声习惯，范围只局限于对方听得见的距离，没有太大的音量与音区的要求，声带的运用是随意的。由于声带只有在发强音和高音时才紧密闭合，那么类似于说话的本能发声习惯常使声带大部分时间处于不完全闭合状态。如果错误的运用声带周围肌肉的功能，如把本该促进声门开放的环杓后肌运用到歌唱，必定会产生声音虚、漏的问题；把稳定喉头的喉外肌力量作用于发声，就会造成提喉、喉音等用声错误。

二、关于呼吸的误区

胸腹式联合呼吸法到目前为止已经被普遍认为是最科学的歌唱呼吸方法，但仍有很多学生苦闷呼吸训练中做得很好，而发声时气息却不够用。笔者在教学实践中，发现有关呼吸问题的误区主要有两种情况：一是吸气时气息到达的深度不够，即没有吸到技术所要求的到达“肺的底部”。气息吸得浅作用于声带时，呼出气息的量和压力不足以冲击闭合的声带，而使声音显得虚弱无力。引起气息浅的原因和本能呼吸习惯有关，本能的呼吸是建立在类似于一般的谈话间，或者身体剧烈运动后的'一种生理上的本能反映，它只需要胸腔的扩张、收缩产生力量完成肺内气体的交换。扩张只集中在肺的上半部分，和歌唱所要求的“吸到肺的底部”显然是大有区别的，也就是说，腰腹肌的能力失去了存在的价值。当遇到较长的乐句需要气息量加大时，肺叶的下半部分气息得不到有效输送，而觉得气息不够用。

二是气息与声音缺少有效配合，致使声音“搭不上气”。我们从两方面分析引起这种现象的原因。一方面是没有运用气息歌唱的习惯，张嘴就唱，把呼吸动作与歌唱的用声动作分割开来。另一方面是过分地注意气息，为节省气息故意增加腰腹部肌肉的力量，形成“憋气”，使气息不能顺利地作用于声带。这两种情况的最终结果都可能导致声带紧张、干涩，声音发直缺少泛音。针对上述情况，我们主张呼吸和发声训练结合一起练习比较好，因为气息和声音是揉为一体的，呼吸训练不能脱离歌唱实践而单独存在。我们要建立这样的歌唱意识：只有气息支持的声音才是有效的声音，只有正确作用于声带的气息才是有效的气息。

三、关于共鸣的误区

人体共鸣腔分为三个大的共鸣区域，即：胸腔共鸣区、口咽腔共鸣区（口、喉、咽）和头腔共鸣区（鼻窦、额窦、蝶窦）。口咽腔共鸣是声音从喉咙发出后的个共鸣区域，它上连头腔，下达胸腔，是歌唱非常重要的部分，对声音的丰满、音色的美化具有决定性的作用。帕瓦罗蒂曾强调声音共鸣主要在口腔、咽腔，说明了口咽腔在整个歌唱中的重要作用。

然而，在这个区域出现的认识上的误区也是最多的。所谓的口咽腔打开就是我们常说的“打开喉咙”，有关打开喉咙的要求文章前面已有所论述，这里需要指出的是 “舌头”在口咽腔打开过程中的状态。很多学生把缩紧舌头误认为是打开喉咙，结果造成舌部肌肉僵硬和压喉，一方面破坏了基音形成的良好状态，另一方面也阻碍了口咽腔的顺利打开，良好的共鸣音响也就无从谈起。口咽腔打开的关键要做到：在稳定的基础上松喉咙、松下巴、松舌头，使这几个部位处于“自如”状态。

幼儿乐理基础知识入门

小提琴在管弦乐队中是用得最多的一种乐器。其演奏手法很丰富，表现力很强。它主要擅长演奏歌唱性的旋律，是乐队中主要的旋律乐器，对于快速的乐句、音阶及琶音进行均能胜任自如，作为和声衬托也很有表现力。在独奏时，它色彩变化多样，炫技性能得到充分发挥，那美妙动听的琴声诱发过艺术家们多少天才的想象，带给人们多少非凡的艺术享受。所以，人们称它为乐器之“皇后”。

小提琴装有四根琴弦，弦与弦之间的音程关系为纯五度，用高音谱表记谱，音高是固定的：一般地说，弦的音色明朗的、清越的；第二弦的音色是柔和的、优雅的；第三弦的音色是如歌的并稍有紧张感；第四弦的音色是深沉的、宽厚的。

定弦注意事项：

1小提琴的定弦为五度固定定弦。初学者校音时，可用校音器来校对每根空弦，熟练掌握之后，只校对准A弦，然后分别校对A、D两弦，再是A、E两弦，用双音进行调音，反复校对直至四根弦校准为止。

2校音时，若弦轴太紧拧不动时，可涂上少许铅笔芯或干肥皂；若太松打滑，可涂上少许松香末或粉笔末。

小提琴的音域比较宽广，从g到a4四个八度。乐队常用音域是从g到a3（即从把位到第七把位）。

小提琴有四根弦，所以在总音域中的许多音可以在几根弦上同时存在，但是不同弦上的同一音高的音，其音质、音色就不完全相同。在四根弦上,E弦上的高音（高把位）用得最多，其次是A、G弦，而D弦上的高音用得较少。这是因为弦音低其高音部分发音较闷并且紧张，所以较少使用，但G弦上的高音由于紧张有力（它是最外的一根弦可以拉出较强的力度）在情绪激动时，用G弦和G弦上较高的音（高把位）来演奏是能收到较好的效果。

五线谱

五线谱是由五条距离相等的平行线组成，线的名称是由下往上依次称为线、第二线、第三线、第四线、第五线，线中间的空白部位称为“间”，间的名称也是由下往上依次称为间、第二间、第三间、第四间。

高音谱号（G谱号）

五线谱的线和间是用来表示音高的，谱号决定线和间表示什么音。各线间都分别表示一定的音高，不够用时可在五线谱的上、下方再加用短横线来辅助。

音符

音乐中用以记录音的长短的符号叫音符。它由符头、符杆、符尾组成。

音符除以不同的形状来记录音的时值外，还以符头在谱表上的不同位置来表示音的高低。音符分单纯音符和附点音符两种。

休止符

表示声音停顿的符号叫休止符。休止符分单纯休止符和附点休止符。

附点

附点记在音符和休止符的右边。附点增长原有音符二分之一的时值。

复附点（亦称双附点）

即音符或休止右边有两个附点，第二个附点再增长原音符或休止符四分之一的时值。

小节线、小节、终止线

用来划分节拍的垂直线称小节线。两条小节线之间的部分称小节。记在乐曲末尾的复纵线（用一粗一细），称终止线，表示乐曲到此结束。记在乐曲明显分段处的复纵线（用两条同样粗细），表示乐曲到此告一段落。

音级

具有七个唱名（do、re、mi、fa、sol、la、si）或音名（C、D、E、F、G、A、B）中任何一个名称的音，每一音级有数种不同的音高，用变化音记号区别，各音级之间的相互关系为音乐中一切音高关系的基础。第Ⅰ级——主音；第Ⅱ级——上主音（导向主音的上方邻音）；第Ⅲ级——中音（主音、属音的中间音）；第Ⅳ级——下属音（主音的下方属音）；第Ⅴ级——属音（主音的上方属音）；第Ⅵ级——下中音（主音下属音的中间音）；第Ⅶ级——导音（导向主音的下方邻音）。

半音、全音

半音称为小二度。两个半音是一个全音，全音称为大二度。一个八度可分为12个半音。

音程

两音之间的距离，叫做音程。音程里又分为同时发响的和声性音程与先后发响的旋律性音程两种类。计算两音间隔的音程单位，用“度”来表示。

音的主要特性之一，指声音的长短，由发音体持续振动时间的长短所决定。在音乐中主要表现在节奏和节拍中，不同时值的音，由许多不同的符号来标记，如全音符、四分音符、八分音符等。音在时值上的有组织的连续。是音乐的最重要的表现手段之一。

同时值的节奏单位不断反复的序列。亦即强拍与弱拍有规律地循环出现叫节拍。处在重音位置的单位拍叫做强拍，处在弱音位置的单位拍叫做弱拍。

节拍的单位，用固定的时值来表示（二分音符、四分音符等）。在五线谱中以记于谱号与调号右旁的位于第三线上下方的两个数字表示。上面的数字说明每小节内单位的数目，

下面的数字说明作为单位拍的时值。

音阶

在一个八度中，按照一定的音高关系依次排列的一列音，叫音阶。

以C大调为例，第三音和第四音（mi和fa）之间，第七音和第八音（si和do）之间的距离都是半音，其他相邻两音间的距离都是全音，称为大调音阶。以音名C为主音的大调音阶，称为C大调音阶。

小调音阶：以la为主音,由la、si、do、re、mi、fa、sol七个音组成。它有三种形式：

1自然小调

它与大调一样，也是由七个音级组成，与大调不同的是半音在第二音和第三音（si和do）之间，第五间和第六音之间，其他相邻两音间的距离都是全音。自然小调所使用的音和关系大调完全相同，但主音不同，音阶排列不同（也称平行调）。大调与关系小调的主音，相一个度。如C大调的关系小调是a小调，a小调的关系大调是C大调。

2和声小调

在自然小调的基础上，升高第七音（#sol），第六音和第七音（fa和#sol）之间为增二度，第七音到主音形成半音关系。

3旋律小调

在自然小调的基础上，上行时升高第六音和第七音（#fa和#sol），下行时又将这两个音还原。

小提琴演奏的基本姿势和方法

1.身体姿势

姿势的真实含义，是变化着的动作。姿势产生于动作：由于要演奏便必须动作，由动作的需要而产生姿势；姿势又为动作服务；好的姿势使动作方便，演奏有效。正确姿势是保证学生的演奏水平高度发展的基础条件之一。

学习演奏小提琴，在初学阶段，一定要掌握正确的演奏姿势，如果演奏姿势不正确，会直接影响到运弓发音、音色以及演奏技巧的正常发挥。小提琴可以采用坐和站两种演奏姿势。

坐姿是重奏、合奏时采用的姿势。要求要坐端正，腰挺直，身体不能靠在椅背上来（坐在椅子靠前部分）。要选择高一点的椅子，使右膝部分稍能伸展，这样，在演奏E弦上半弓时不致碰到右大腿。（年龄较小的学生，为了减少身体疲劳，每次练琴也可用小部分时间坐着练习）

站姿是独奏和练习时采用的姿势。要求身体自然直立、放松，双脚左右分开(与肩宽一致)

成八字形，全身的重心平放在两脚上。在演奏时，可随着乐曲的思想感情和由此而引起的内心激动而适当地自然摆动身体。但要避免演奏时过份的身体动作，因为过份的动作不仅看上去不舒服，而且还要不断地调整弓与琴的关系，这会给演奏中带来很多的不利因素。

2.夹琴

①右手拿起琴（大拇指在琴的面板上，其他四个手指在琴的背面）。

②拿起来放在左肩上（手仍拿住琴,头在自然的位置,用琴的腮垫和左腮挨近）。

③用下颚和左肩夹住琴（琴身与人的肩膀构成45度角，琴面稍向右倾斜，琴的方向稍偏左）。夹琴的角度（稍向左或右移动），取决于左右手臂的长短，一般以弓尖部分在琴弦上的位置与琴马平行，与琴弦成十字为佳。

④左手单独的做成持琴的弯曲（这时琴可以放在一旁）。

⑤左手食指的指根和琴颈接触，大拇指和琴颈接触（做这一动作可以先用右手拿住琴，然后再放在肩上）。

⑥左手手掌向内弯曲呈半园型。（使手指前后排列和指板方向一致，腕部和小臂基本保持平直）。

⑦左手四个手指摆好四度的位置。

3.左手和左臂的姿势

左手的各个部分、手指、腕、臂、肘都是互相联系着的一个演奏器官的整体，每一个部分的动作都是互相作用互相影响的。四个手指在演奏时经常保持着基本位置（四度关系）在任何一个把位都应该如此。左臂的向左向右的转动，对手指和指板的关系起调节作用，使手指演奏任何一根弦上的音都处在一个自如舒服的位置，在拉G弦的时候手肘便为了适应这个位置而向右转过来一些，在拉E弦的时候便向左转移一些，这样肘便起着像船上的舵一样的作用，因此把这样的动作称为“左臂的舵式动作”。

当由低把位换向高把的时候，左臂同样有变化，它一面是更多弯曲了一面又向右转动来适应手指在高把位演奏的需要。

为了弄清楚这两种形式的动作，可以用演奏一个固定把位的两个八度音阶和一个三个八度换把位的音阶为例来仔细的观察臂是如何动作。

4.持弓和运弓

1.右手手心朝上自然的平放在桌子上。

2.把一枝铅笔放在手上，一端放在小指的顶端，一端放在食指的第二关处。

3.大拇指微的弯曲着用指尖（稍偏右那部分）放在中指和铅笔接触的位置上面。

4.四个手指弯拢起来轻轻的抱住铅笔，同时大拇指也随着拱起一些来。

5.手如上面已做好的样子，然后翻转过来手心朝下，手指关节上、下活动自如。

6.小指不能僵直，而应松弛，自然弯曲地立在弓杆上，以抵消支点另一端弓的重量。

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笛子自学基础乐理知识

2.音的主要性质： 音的高低 音的强弱 音的长短 音色 （1）音有高低、强弱、长短、音色四种主要性质，在音乐表现中非常重要，其中以音的高低和长短最为重要。不知道您是否有这样的体会：对于一首歌，不管您人声演唱还是乐器演奏，唱的声音是小是大，也不管您演唱或演奏时用什么调，音的强弱及音色有了变化，但这支歌的旋律依旧。

1、音名

CDEFGAB字母，它们的音高是固定的。7个基本音级不断循环反复,构成整个乐音音列。

从C音开始到其高八度C之间的音列1. 乐理基础知识小测试(乐理知识的题目)称为一组。通常以低音谱表第2间的C音开始而排列成的一组音，用小写拉丁字母c、d、e、f、g、a、b标记,称小字组，由此向上各组依次称小字一组、小字二组等。

2、唱名

采用的将自然大调式中的七个基本音级分别唱作do、re、mi、fa、sol、la、si（或ti）do（高音）。

3、调式

在音乐中，按照一定的关系连结在一起的许多音（一般不超过七个），组成一个体系，并以一个音为中心（主音），这个体系就叫做调式。

4、音程

两个音级在音高上的相互关系，就是指两个音在音高上的距离而言前面我们讲过音符最多可以由三个部分组成——符头、符干、符尾，其中，音符的符头可以记在五线谱的任意线或间上。，其单位名称叫做度。度作为音程的单位，是两个音符之间相几个自然音音名的数量单位，如四度就是指由这个音算起四个自然音音名，如DO和FA之间的度数算法是DO、RE、MI、FA四个自然音音名，因此DO和FA之间的度数就是四度。

5、半音全音

由两个相邻的音级构成的半音叫做自然半音。自然半音可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级与变化音级形成。

由相邻的两个音级形成的全音叫做自然全音。自然全音和自然半音一样，可以由基本音级形成，也可以由变化音级形成，或由基本音级别变化音级形成。由同一音级的两种不同形式所构成的半音，叫做变化半音。

乐理常识概括

参加编写《基本乐科教程》的二十几位成员，都是在线教学多年、潜心钻研、卓有效、勇于改革、敢于创新的、经验丰富的老师。特别是主编孙从音，从1946年在上海中华音乐院任职起，对本门学科进行了近五十年的教学、科研工作，积累了丰富的经验。

1.基础乐理知识总结一千五百字

花篮的花儿香，听我来唱一唱，唱呀一唱《 》

01：音（Tone） 是一种物理现象。

物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-20000次左右，而使用到音乐中的音（不含音），一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。

音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。 02：音色（Tone-color） 指音的感觉特性。

发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器 乐音色。

人声音色分高、中、低音，并有男女之分；器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打 击乐器的音色是不同的。 03：共鸣（Resonance） 共鸣指的是一种振动。

当一个发音体振动时，引起了其它物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。 04：基音（Fundamental tone） 物体振动时所发出的频率的音是基音，其余的为泛音。

基音决定音高。 05：泛音（Harmonic overtone） 除了发音体整体振动产生的的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也 是同时振动，是泛音。

泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和 自然界里所有的音都有泛音。

06：音高（Pitch） 音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。

目前通用的标准音"a"，是每秒振动440次的声音。 07：音名（Pitch name） 音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。

这些名称没有统一，在各个是不同的。被广泛 采用的是：C D E F G A B。

08：唱名（Syllable names） 唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。

大调的主音用1do，小调的主音用6la。 09：音域（pass） 人声或乐器所能达到的音和音之间的范围就叫音域。

音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。 10：调式（Mode） 若干高低不同的乐音，围绕某一有稳定感的中心音，按一定的音程关系组织在一起，成为一个有机的体系，称为调式。

11：调性（Tonality） 调性指调式类别与主音高度。在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系中止在主音上。

这样的乐曲就是有调性的乐曲。 12：音量（Volume） 音量又称响度、音强，是指人耳对所听到的声音大小强弱的主观感受，其客观评价尺度是声音的振幅大小。

13、音级（degree） 划分音阶中各音间音程的单位（乐音体系中每一个的音）。

2.乐理知识主要有哪些方面

基本乐理需要学习如下内容：

1. 音与乐音体系：音级、音列等等一些基础概念；

2. 律学常识：认识五度相生律、纯律、十二平均律，知道标准音；

3. 记谱法：单及多声部下旋律在五线谱、简谱中如何记谱？

4. 节奏节拍与音值组合法：知道节奏与节拍的概念并了解不同拍子下的一些常见节奏型，学会在不同拍子内按正确的原则组合节奏；

5. 音程：知道音数与度数，理解各种自然音程与变化音程并能够识别一个音程或构成一个音程；

6. ：熟悉由音程组成的基本的三 与七 的音程结构与命名，同样要能够识别 或构成 ；

7. 调式音阶：理解调式的概念，熟悉各类西洋大小调、民族调式、中古调式；

8. 调式分析：学会看到一个谱例能够推断出它是什么调式类型（调式音阶）的；

9. 调式中的音程与 ：主要熟悉西洋大小调内都有哪些音程和 存在，了解级数标记和和声功能，以此解决调式内不稳定的音程和 ；知道和声大小调内的增二度、减七度音程和自然大调与和声小调内的属七、导七 ；

10. 移调：学习将一个调上的旋律移调到另一个调上的方法，以及乐器移调；

11. 译谱：将五线谱上的旋律翻译成简谱，或者反过来。

12. 半音阶与泛音列的记写；

13. 音乐术语和演奏记号的记忆、背诵。

3.钢琴基本知识,乐理知识

钢琴基本乐理知识： 基本乐理中的“音”是指物理学中狭义概念的“音”，是物体振动产生的。

分为乐音与噪音两大类。乐音与噪音通过有规律的运动从而产生 音乐。

·乐音：由物体规则振动产生。基本乐理中的音，多指乐音。

噪音由物体不规则振动产生。分为：瞬间噪音和音色噪音。

音乐中的音以乐音为 主要材料，但是噪音的运用也是相当重要的，且在现代音乐中地位越来越显得重要了。 ·乐音的特性：音长、音高、音量、音色，四种。

·音体系：体现乐音之间相互关系并构成音乐结构基础的体系。可概括为：音律、音阶、调式、调性等。

·音列：乐音按照音高次序（上行或下行）排列起来。音体系中的每个乐音是音列中的一个音级。

（音级只可能是乐音） 基本音级：大小调体系中，七个具有名称的音级。基本音级与钢琴白键所发音是一致的，可用字母表示为：c d e f g a b 。

2 ◎ 乐 理 ——【音】 ·在一个八度内，七个白键赫五个黑键加在一起共有十二个琴键。在这十二个琴键中，每相邻的两个琴键构成半音关系。

这样一个八度内有十 二个半音。上述十二个半音可以有四种标记法：音名、唱名、阶名和律名。

除了前面所提到的音级以外，其他的非 基本音级叫做变化音。在大小调体系中常用升号（#）和降号（？）标示。

·唱名 是以 do re mi fa so la si do 等音节来表示的不同的音级。 各国的音名与唱名记法有所不同。

唱名和音名是不可分的。在乐音体系中，音名是固定不变的，唱名则因唱名法的不同而不固定。

·一个八度内所含的十二个半音中，相邻的两个半音构成一个全音。 ·半音和全音中可分为自然和变化两种。

自然半音：由相邻的两个音级（或不同音名）构成的半音如果构成三 的两个三度音程都是大三度，就成为“增三 ”，反之，两个度音程构成的 叫做“减三 ”。同样的道理，构成七 的是三个三度音程，也可以说是一个三 上面再加一个三度音程。。如：B-C、#D-E 变化半音：由同一音级（或相同音名）的两种不同形式，或间隔开一个音级所构成的半音。

前者如：C-#C、#D-D ；后者如：#E-?G、B-?D 。 自然全音：由相邻的两个音级（或不同音名）构成的全音。

如：B-#C、#D-#E 变化全音：同一音级（或相同音名）的两种不同形式，或间隔开一个音级所构成的全音。前者如： C-C、bbD-还原D；后者如：E-?G、B--?D。

判断半音或全音是自然还是变化，不是看#、？，是看两音级是否相邻。如是相邻（不同音名）的音级构成的半音或是全音，则为自然半音 或自然全音；若是同一音级或隔开一个音级构成的半音或全音，则是变化半音或变化全音 作曲家创作乐曲，也象文学家写诗歌、一样，有一套表情达意的体系，那就是音乐语言。

音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速 度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。

【旋律】又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。

【节奏】各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素 。

【节拍】强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做"拍子''，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。

【速度】快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。

【力度】强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。

【音区】音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。

【音色】不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。

和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明 暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。

【复调】两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。

运用复调手 法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的性，造成前呼后应、此起彼落的效果。 【调式】从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。

这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中 心音（主音）的音高。

在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。 音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。

旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变 。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。

4.[急]乐理知识什么的

音乐基础理论 五 、六调和调式、五 1. 的概念及各音的名称 是若干不同音高的音在纵方向（即同一时间）的结合，这种方法极大地丰富了音乐音响，扩展和加强了旋律的表现力。

中的各音按照三度的关系叠置在一起，最常见的 形式是三个音叠置而成的，因此叫做“三 ”。下面是在七个基本音级上构成的三 ：■在三 的三个音中，最下面的叫做“根音”；中间的音与根音的音程是三度，所以叫“三音”；上面的音与根音的音程是五度，叫做“五音”。

不论各音怎样排列，名称都不改变。当根音和五音的关系是纯五度时，如果根音与三音是大三度（这时三音与五音当然是度），称为“大三 ”；如果根音与三音的关系是度（三音与五音是大三度），称为“ ”。

在基本音级上构成的七个 中，有三个大三 （例a）、三个 （例b）和一个“减三 ” （根音和五音是减五度，根音到三音、三音到五音都是度，见例c）：■如果把四个音按照三度关系叠置在一起，从根音到音的音程是七度，称作“七 ”（例a）；把五个音叠置在一起，称作“九 ”（例b）：■在特定的调式中，每个 都有专门的名称；例如，建立在主音上的三 称作“主三 ”或简称“主 ”，建立在属音上七 称作“属七 ”等等，请参看后面有关调式的内容。 2. 转位 刚才我们看到的 都是根音在最下面的低音位置，这样的 叫“原位 ”（下例a）。

如果将其它的音置于低音位置，就叫 转位，这样的 叫做“转位 ”。就三 而言，只有两种转位形式：将三音放在低音位置时称作“转位”（下例b），将五音放在低音位置时称作“第二转位”（下例c）：■ 转位后各音的名称不变：根音不管在什么位置，还叫根音，三音、五音不管在什么位置，仍然叫三音、五音。

但是转位 有新的名称：在三 的转位中，三音（此时处于低音位置）与根音的关系是六度，所以叫做“六 ”，以 数字6 标记；在三 的第二转位中，五音（此时处于低音位置）与根音的关系是四度、三音与根音的关系是六度，叫做“四六 ”，用 数字4 和6 标记（4 在下，6 在上）。下面是几个转位 的名称和标记举例。

标记中的罗马数字表示 是建立在调式的第几级音上（即 的根音是调式中的第几级音）：■在用语言表述时，这些 的名称应该读作“一级四六 ”、“六 ”、“二级六 ”、“四六 ”、“一级六 ”。 3.关于 的进一步知识 前面讲过，除了三 之外还有七 、九 ，如果按照三度叠置的办法再向上发展，还会有十一 甚至十三 。

在音乐创作中，七 是很常见、很重要的 ，九 也会偶尔出现，其它 就很少见了。从结构上来分析，构成三 的是两个三度音程；当下面是大三度、上面是度时叫做大三 ，当下面是度、上面是大三度时叫做 ，这一点刚才已经介绍过。

所以，七 的变化形式比三 复杂得多。当我们要分析一个七 属于什么 时，需要抓住两个特征：，在根音上构成的三 是什么性质的（大三 还是 ）；第二，由根音到七音的音程关系（有三种可能性：大七度、小七度、减七度）。

明确了这两点之后，各种七 的名称和结构如下： 大小七 ：大三 +小七度 （例如“属七 ”） 减小七 ：减三 +小七度 （简称“半减七 ”） 小小七 ： +小七度 （简称“小七 ”） 大大七 ：大三 +大七度 （简称“大七 ”） 减减七 ：减三 +减七度 （简称“减七 ”） 增大七 ：增三 +大七度 （简称“增七 ”） 小大七 ： +大七度 除了三度叠置的 以外，还有四度叠置、五度叠置或其它特殊类型的 ，统称“非三度叠置 ”。这类 往往是偶尔用之，产生特异、新鲜的音响效果，而不是成体系地使用。

在音乐中， 不是孤立存在的，它要和旋律结合在一起，一个 接一个 地连续下去，构成“和声的进行”。关于 与旋律的关系、 的连接以及不同调式、不同风格中 的处理方法属于“和声学”的研究范畴。

六调和调式 1.调的概念 “调”的狭义概念就是音乐的高度，更准确地说，是主音的音高。当我们说某一首歌是“A 调”时，意思往往是do=A。

任何一个音都可以成为调式的主音，所以，这个意义上的“调”有12 个，但由于等音的关系，共有个17 个调名：C 调，升C（降D）调， D 调，升D（降E）调，E 调，F 调，升F（降G）调，G 调，升G（降A）调， A 调，升A（降B）调，B 调。广义地讲，“调”还包含调性、调式的概念，也就是说，一首乐曲在调高和音阶组织方面的所有因素都被这一个字概括起来。

比如说“转调”，既可能是改变了音高，也。

5.音乐的有关知识

【音乐定义】 广义的讲，音乐就是任何一种艺术的、令人愉快的、审慎的或其他什么方式排列起来的声音。

所谓的音乐的定义仍存在着激烈的争议，但通常可以解释为一系列对于有声、无声具有时间性的组织，并含有不同音阶的节奏、旋律及和声。在所有的艺术类型中，比较而言，音乐是最抽象的艺术。

音乐可以通过几种途径来体验，最传统的一种是到现场听音乐家的表演。现场音乐也能够由电和电视来播放，这种方式接近于听录音带或看音乐录像。

甚至耳聋的人也能够通过感觉自己身体的震动来体验音乐，最聋音乐家的例子便是贝多芬，其绝大部分的作品都是在他完全丧失听力后创作的。 人们想学习音乐的时候会去上音乐课。

音乐学是一个历史的科学的研究音乐的广阔领域，其中包括音乐理论和音乐史。音乐作为一门古老的艺术，各文化也都有其独特的音乐系统，民族音乐学是一门以该领域为讨论对象的学科。

【音乐要素】 声音四要素是：音强、音高、音色和波形包络。现将它们的含义分述如下：1.音强 音强就是人们在听闻时感到的响度，也就是我们通常说的声音的强弱或大、小，重，轻。

它是人耳对声音稳弱的主观评价尺度之一。其客观评价尺度——也即物理量的测量，是声波的振幅。

音强与振幅并不完全一致或成正比，在声频范围的低频段相很大，高频段也有相当的别。2.音高 音高或称音调，是人耳对声音调子高低的主观评价尺度。

它的客观评价尺度是声波的频率。和音强与振幅的关系不一样，音高与频率基本上是一致的。

3.音色 人们除对响度、音高有明显的都别力外，还能准确地判断声音的“色调”。单簧管、圆号虽然演奏同一音高（基频）的音符，但人们能够明确分辨出哪个是单管管，哪个是圆号，而不会混淆。

这是由于它们的音色、波形包络不同。音色决定于乐音的泛音（谐波）频谱，也可以说是乐音的波形所确定的。

因为乐音的波形（可由电子示波器上看到〉绝大多数都不是简单的正弦波，而是一种复杂的波。4.形包络 乐音的波形包络指乐音演奏（弹、吹、拉，拨）每一音符时，单个乐音振幅起始和结束的瞬态，也就是波形的包络。

有些乐器，在弹、吹、拉、拨的开始一瞬间，振幅马上达到值，然后振幅逐步衰减，有的乐器则相反，在开始的瞬间振奋较小，然后逐渐加大，再逐渐衰减。这些波形包络变化也影响乐器的音色。

显然重放设备也要求有较好的瞬态跟随能力，不然就会引起乐音自然包络的畸变。来自【知道学院】团队提供___________解答：伯乐。